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Escrito por: © María José S. Bermejo

Los dinosaurios, esos lagartos terribles que aparecieron durante el período Triásico, hace unos 231 millones de años y que lograron ser los vertebrados terrestres dominantes durante 135 millones de años han sido una de las especies más recurrentes de la historia del cine en sus viajes fantásticos en el tiempo. Desde uno de los primeros filmes de dibujos animados titulado GERTIE THE DINOSAUR del año 1914 protagonizado por uno de los personajes de éxito de Winsor McCay realizador del Little Nemo, película donde vemos como el dinosaurio animado obedece las órdenes de su creador que se situaba frente a la pantalla de proyección e interactuaba con él; hasta HACE UN MILLÓN DE AÑOS (1966) dirigida por Don Chaffey con sus espectaculares luchas entre los dinosaurios animados de Ray Harryhausen y el escultural cuerpo de Raquel Welch; pasando por la saga de animación EN BUSCA DEL VALLE ENCANTADO, iniciada el año 1988 con la dirección de Don Bluth con las aventuras de unos pequeños dinosaurios en su viaje para llegar al Gran Valle, el único sitio de la tierra que todavía no ha sido alcanzado por una plaga devastadora. Unos saurios que consiguieron su esplendor en la gran pantalla en el año 1993 con JURASSIC PARK dirigida por Steven SPIELBERG, basada en la novela homónima de Michael Crichton, con un generoso despliegue de efectos especiales pioneros que nos hicieron creer que los dinosaurios volvían a pasearse por nuestro planeta, logrando un gran éxito de taquilla de verano alzándose con 3 Oscars (Mejor sonido, efectos de sonido, efectos visuales). Protagonizada por Sam Neill, Laura Dern, Jeff Goldblum, Richard Attenborough y Ariana Richards nos traslada a una efectiva aventura de ciencia ficción donde el multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.
JURASSIC PARK se convirtió en un acontecimiento cinematográfico irrepetible que según Steven Spielberg "ni yo ni los otros productores tuvieron la intención de revolucionar el mundo del cine. Solo queríamos estar a la altura del increíble relato de Michael Crichton. No depende de mí decidir qué es un punto de referencia y qué no lo es. Son los demás quienes deben decidir si una historia tiene éxito o no, pero soy consciente de que, desde un punto de vista tecnológico, fue un punto de referencia para toda la industria. Eran personajes creados digitalmente por ordenador que parecían totalmente reales con cualquier iluminación o condición atmosférica. Nuestro T. Rex digital incluso se paseaba bajo la lluvia".
Con su buena ejecución visual y sus 121 minutos de acción espectacular la segunda entrega no se hizo esperar y en el año 1997 regresaba con la secuela, EL MUNDO PERDIDO: JURASSIC PARK, dirigida de nuevo por Steven Spielberg, quien aplicó su nervio narrativo en un guion que a través de la acción intentaba seguir el camino marcado por la original sin conseguirlo, aunque fue un gran éxito de taquilla, recaudando en su estreno 72 millones de dólares en su primer fin de semana. Protagonizada por Jeff Goldblum, Julianne Moore, Pete Postlethwaite, Arliss Howard,  Richard Attenborough y Vince Vaughn el misterio de los saurios nos llevaba cuatro años después del desastre ocurrido en el Parque Jurásico de la isla Nublar, John Hammond revela a Ian Malcolm que existe otra isla en la que se criaban los dinosaurios antes de ser transportados a la isla Nublar. Ian, acompañado por dos expertos, deberá acudir a la isla Sorna para rescatar a una científica, aunque los planes cambiarán drásticamente.
La fantasía jurásica continuaba en el año 2001 con JURASSIC PARK III reduciendo su metraje a 94 minutos bajo la dirección de Joe Johnston, interpretada por Sam Neill, William H. Macy, Téa Leoni, Alessandro Nivola y Trevor Morgan. Una apuesta más ligera que las dos entregas anteriores, apostando por el entretenimiento para dar carpetazo a una trilogía con un filme de aceptable calidad general donde la ausencia de Spielberg se hacía notar en la composición y resolución de escenas, desempeñando en su conjunto su objetivo de distraer y agradar; haciéndose con una buena taquilla gracias a su acción trepidante y sus efectos especiales. En esta ocasión el doctor Alan Grant, ansioso por conseguir fondos que financien su estudio sobre la inteligencia del velociraptor, acepta la oferta de una pareja de millonarios, Paul y Amanda Kirby, para sobrevolar la Isla Sorna, en Puerto Rico, poblada por dinosaurios creados genéticamente para un parque recreativo. Tras producirse un aterrizaje forzoso en la isla, Alan descubre que los Kirby estaban buscando a su hijo adolescente, perdido en la isla tras un accidente de parapente.
Tras dormir en algún parque temático en el año 2015 regresaba la cuarta entrega, JURASSIC WORLD, dirigida por Colin Trevorrow, escogido personalmente por Steven Spielberg para esta ocasión.  La acción nos traslada a veintidós años después de lo ocurrido en Jurassic Park,
la isla Nublar ha sido transformada en un parque temático, Jurassic World, que se encuentra en una isla cercana a Costa Rica. Esta maravilla de última generación está ideada en torno a una bulliciosa calle principal que conduce a las principales atracciones. Los niños montan amables cachorros de triceratops en el mini zoo, el público grita entusiasmado cuando el gigantesco mosaurio emerge de su piscina para tragarse a un gran tiburón blanco, y las familias contemplan con fascinación a dinosaurios de todos los tamaños y clases paseando libremente en sus zonas seguras. Claire la persona encargada del perfecto funcionamiento de Jurassic World recibe la inesperada visita de sus dos sobrinos, Zack, de 16 años y Gray, de 11 años. Su madre, Karen, quiere que pasen unos días en Jurassic World, pero Claire no tiene tiempo para ocuparse personalmente de ellos y se limita a darles pases para todas las atracciones antes de mandarles a divertirse solos. Mientras el enorme y misterioso Indominus Rex ha sido creado en el más absoluto secreto y pronto será presentado en sociedad. El dinosaurio, que ha vivido en total aislamiento después de devorar a su único hermano, ya es adulto. Claire, deseosa de saber más cosas sobre el animal y la seguridad, va a ver a Owen, un exmilitar experto en comportamiento animal que trabaja en una zona secreta de investigación en los límites del parque. Owen lleva años entrenando a un grupo de agresivos velociraptores con los que ha establecido una relación tipo alfa consiguiendo así un precario equilibrio entre la obediencia de mala gana y la rebeldía depredadora. Todo se complica cuando el Indominus Rex, del que se desconoce su crueldad e inteligencia, consigue escaparse de la zona en la que ha crecido, todos los seres vivos de Jurassic World, hombres y animales, se ven amenazados. La locura se desata en el parque y los visitantes pasan de observadores a presas. Los dinosaurios se escapan, las criaturas aéreas y acuáticas se enfrentan en una batalla sin cuartel y no queda un solo lugar seguro en todo el centro.
El director Colin Trevorrow recuperaba el pulso a la saga aportando el equilibrio entre asombro y emociones del original introduciendo nuevos personajes y una historia llena de ideas que daba paso a la posibilidad de ser desarrollado en próximas aventuras. Un filme que logró ser la cuarta película más taquillera de la historia del cine.
El mundo Jurásico abre otra vez sus puertas en el año 2018 con su quinta entrega. JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO, con los actores Chris Pratt y Bryce Dallas Howard repitiendo protagonismo bajo la producción ejecutiva de Steven Spielberg y Colin Trevorrow, con la dirección de J.A. BAYONA (LO IMPOSIBLE, UN MONSTRUO VIENE A VERME, EL ORFANATO), quien recuerda "como mucha gente de mi generación, me quedé maravillado cuando vi Jurassic Park. Las criaturas que habitaron nuestro planeta hace millones de años tenían algo absolutamente cautivador, y la idea de traerlas a la vida después de su extinción me parece fascinante. Es un concepto genial y muy entretenido para una saga. La primera vez que vi al Brachiosaurus en una pantalla, decidí que cualquier cosa era posible. Cuando me apunté al proyecto, sabía que debería cuidar del hijo de Steven y de Colin. Como realizador podía aportar mucho a la historia, al tono y al nivel de energía. Pero también era consciente de que millones de personas aman la saga Jurassic. Debía trabajar muy de cerca con ellos para que todos nos aseguráramos de ofrecer experiencias nuevas y emocionantes al público... sin dejar de lado el alma de la franquicia".

En esta entrega Jurassic World, el parque temático pasa de ser un sueño a una aterradora realidad, y para este nuevo capítulo la acción se enfrenta a algo más terrible y oscuro. Como explica el productor Colin Trevorrow "los dinosaurios vivieron en la Tierra hace unos 65 millones de años, pero ahora están en un lugar totalmente extraño para ellos. Se me ocurrió contar la historia desde una perspectiva humana. ¿Cómo se sentiría alguien si le hicieran aparecer en un mundo que no es el suyo... solo para que otros disfrutaran? Era algo que no habíamos tocado en la primera entrega y pensamos que aportaría mucho a la película".
Por culpa de la codicia de unos inversores decididos a jugar a ser Dios y de unos visitantes convencidos de que el dinero puede comprarlo todo, el parque Jurassic World quedó destruido. Como señala Colin Trevorrow "¿Cuál fue el resultado de la destrucción, que había más allá de eso? Por suerte, dejamos muchas pistas en la primera entrega, pero no en los lugares donde se buscarían habitualmente. La propia película, los mapas y la web contienen bastante información acerca de las dos siguientes películas". Un mundo de suspense y acción donde encontramos  nuevos dinosaurios procedentes de épocas diversas. Desde el Baryonyx al Carnotuarus, pasando por el Stygimoloch, una pequeña criatura incontrolable. Sin olvidarnos de un auténtico monstruo diseñado genéticamente conocido como Indoraptor. Su ADN es una mezcla poco recomendable de Velociraptor, Indominus rex y otros, pero eso solo lo sabe el Dr. Wu. No es letal por su tamaño, sino por su inteligencia, velocidad y capacidad de cumplir órdenes... cuando le apetece. Mide algo más de tres metros, el doble del Velociraptor. Está desquiciado, es genéticamente imperfecto e inacabado. Su cabeza no funciona como debe; tiene tics y es totalmente impredecible. El Indoraptor es, sin duda, el arma perfecta. Junto a todos ellos volvemos a encontrar al T. Rex, la gran estrella de la saga.
En JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO hace tres años que el parque temático y lujoso complejo turístico Jurassic World fue destruido por dinosaurios fuera de control. Isla Nublar ha sido abandonada por los hombres y los dinosaurios sobreviven como pueden en la jungla.  Cuando el volcán de la isla que estaba inactivo entra en erupción, Owen (Chris Pratt) y Claire (Bryce Dallas Howard) ponen en marcha un plan para proteger a los dinosaurios de la extinción. Owen se dedica a buscar a Blue, el raptor al que él crió y que está desaparecido en la jungla, y Claire, que ha aprendido a respetar a estas criaturas, está dispuesta a cumplir con su misión. Cuando llegan a la isla, ya inestable por la erupción del volcán, descubren una conspiración que podría convertir nuestro planeta en un lugar con un inmenso peligro no visto desde tiempos prehistóricos.
JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO  ofrece una buena película de acción donde la admiración de su director J.A. Bayona por la serie y la nostalgia con sus personajes, ambiente y narración consigue un buen homenaje a la franquicia con una acertada dirección de actores y una buena ejecución de efectos especiales para lograr un filme repleto de aventuras.
Pasado, presente y futuro se dan cita en un Parque Jurásico que regresa para recrear el mundo perdido de los dinosaurios donde la ciencia se cruza con la imaginación en un espectáculo visual atractivo que consigue devolvernos el universo de saurios creado por Steven Spielberg en 1993. JURASSIC WORLD, como recuerda Colin Trevorrow, "es un lugar donde los adolescentes están más interesados en sus móviles que en mirar a su alrededor. Me interesó volver a mostrar lo que es pasar miedo, enseñar por qué se debe tener miedo y por qué hay que estar al tanto de lo que pasa a nuestro alrededor".
JURASSIC WORLD: EL REINO CAÍDO dinosaurios animatrónicos junto a otros creados digitalmente. Emoción y entretenimiento con el sello personal de J.A. Bayona. Blockbuster donde dinosaurios y humanos van a la carrera en busca del éxito en la taquilla.

FICHA TÉCNICA
Jurassic World: El Reino Caído - Título original: Jurassic World: Fallen Kingdom - Dirección: J.A. Bayona - Año: 2018 - Duración: 128 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Chris Pratt,  Bryce Dallas Howard,  James Cromwell,  Rafe Spall,  Toby Jones,  Justice Smith,  Daniella Pineda,  Ted Levine,  Geraldine Chaplin,  Jeff Goldblum,  B.D. Wong,  David Olawale Ayinde,  Bobbi Jo Hart,  Daniel Stisen,  Robert Emms,  Kamil Lemieszewski,  Michael Papajohn,  Peter Jason,  Sean Gislingham,  Max Baker - Guion: Colin Trevorrow, Derek Connolly (Personajes: Michael Crichton) - Producción ejecutiva: Steven Spielberg y Colin Trevorrow - Vestuario: Sammy Sheldon Differ - Música: Michael Giacchino - Fotografía: Óscar Faura - Estreno en España: 8 de junio 2018.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

Tras el estreno de LAS AVENTURAS DEL BARÓN MUNCHAUSEN en elaño1989 el director Terry  Gilliam propuso una idea a uno de los productores, Jake Eberts, "nos apetecía hacer otra cosa juntos, así que llamé a Jake y le dije, 'Tengo dos nombres para ti... uno es Quijote y el otro es Gilliam... y necesito 20 millones de dólares'. Y Jake dijo, '¡Hecho! Fue así de sencillo. Así que leí los libros. Varias semanas más tarde, acabé de leer los dos libros y me di cuenta... ¡de que no podía hacer la película!". Después de hacer EL REY PESCADOR (1991), DOCE MONOS (1996) y MIEDO Y ASCO EN LAS VEGAS (1998) - tres películas enmarcadas y filmadas en Estados Unidos - Gilliam quería hacer una película en Europa. El nuevo proyecto se llamó El hombre que mató a Don Quijote. Como explica el director "al darme cuenta de que no podía rodar El Quijote cómo lo escribió Cervantes, me pregunté si acaso podría hacer una película que contase una historia que capturase la esencia de El Quijote, sin depender completamente de los libros". Influenciado por los seis meses que había pasado intentando adaptar Un yanqui de Connecticut en la corte del rey Arturo de Mark Twain, se inventó el personaje de un joven y descarado director de anuncios - un hombre anuncios moderno - que nos lanza, de alguna manera, de vuelta al siglo XVII, donde don Quijote le toma por Sancho Panza.
El sueño imposible del director Terry Gilliam comenzaba en el mes de septiembre del año 2000. Tras 10 años de desarrollo del proyecto, una serie de productores y dos intentos previos de empezar la película, el rodaje de la adaptación al cine de las aventuras de Don Quijote, la obra universal de Cervantes, comenzaba en las Bárdenas (Navarra). Atrás quedaba su participación en el recordado grupo humorístico Monty Python, sus creaciones de animación o sus películas entre los límites de la realidad, los sueños y el tiempo como DOCE MONOS, BRAZIL o EL SECRETO DE LOS HERMANOS GRIMM. Ahora tocaba el turno de las andanzas y desventuras del hidalgo de la Mancha Don Quijote. El conflicto entre la fantasía y la gris realidad regresaba una vez más al cine de Gilliam intentando ampliar su filmografía de imaginación riesgo y fracaso.
La película iba a estar protagonizada en sus papeles principales por Jean Rochefort (Don Quijote), Johnny Deep (Sancho Panza) y Vanesa Paradis (Dulcinea). Gilliam ya había conseguido la difícil tarea de financiar los 32 millones de dólares de presupuesto en Europa, una proeza que le daría libertad frente a las restricciones creativas de Hollywood.
Pero nada más iniciarse el rodaje de EL HOMBRE QUE MATÓ A DON QUIJOTE una serie de desgracias rodearon su creación: Los estruendosos aviones del ejército español sobrevolando el cielo en pleno rodaje, terribles tormentas que se llevaron por delante los decorados y dañaron seriamente los equipos... Todos estos acontecimientos inesperados obligaron a Gilliam a los seis días de rodaje a abandonar su sueño.
Todo este cúmulo de desgracias fueron recogidas paso a paso por la cámara de Keith Fulton y Louis Pepe, los realizadores a los que Gilliam había encomendado la tarea de ir documentando el proceso de creación de su película. La crónica de una película paso a paso, se convirtió en el testigo directo del derrumbe de una gran producción cinematográfica. De este tortuosos camino durante un año de postproducción, Fulton y Pepe reconstruyeron cuidadosamente la historia del "un-making" de "The man who killed Don Quixote" de más de 80 horas de filmación y entrevistas. Enfrentándose a la dificultad de caracterizar una película que nunca existió, los realizadores incorporaron los propios storyboards de Gilliam, lecturas del guion de Gilliam, y el escaso metraje de la corta vida de la producción en un intento de dar vida al Quijote de Gilliam. Concibieron la animación original para contar la historia de Cervantes y completarla o compararla con la historia de la carrera de Gilliam. De esta manera surgió LOST IN LA Mancha, puede que sea el primer "un-making off". Un documental que nos ofrece una mirada única y profunda a la realidad de hacer una película. Con dramas que van desde los conflictos personales a tormentas épicas, esto es una constatación de la desintegración de una película.
Un sueño imposible que como recuerda Gilliam "creo que el problema del Quijote es que una vez que te enganchas al personaje, y a lo que representa, te conviertes en Don Quijote. Caminas hacia la locura, decidido a hacer que el mundo sea cómo te lo imaginas. Pero, claro, no es así".
El hombre que mató a Don Quijote tiene detrás uno de los desarrollos más tortuosos y complicados en la historia del cine. El hecho de que, por fin, se haya completado.
Casi treinta años después de arrancar el proyecto y su derrumbe, como resultado de la persistencia, la pasión, y la inspiración del director Terry Gilliam, el filme El hombre que mató a Don Quijote llega a la gran pantalla en el año 2018.  Un proyecto que fue retomado en 2009 cuando Gilliam y Grisoni mejoraron el guion dotando a Toby de un trasfondo creíble consistente en haber hecho una película de estudiante. Un segundo paso fue eliminar la parte de viajar en el tiempo, en vez de conocer al auténtico Don Quijote en el siglo XVII, Toby comparte aventuras con un anciano actor de su película estudiantil, que ahora cree ser el legendario caballero. En esta ocasión, como afirma Gilliam, "el proyecto trata de películas y de hacer películas, de qué le hacen las películas a las personas que están involucradas en ellas. Nuestro hombre anuncio se ha transformado en alguien que hizo una película estudiantil hace diez años en un pueblecito de España. Cuando regresa al pueblo, pensando que será tan maravilloso y fabuloso como cuando trabajó allí la primera vez, descubre que cae mal a la mayoría de los habitantes del pueblo. Ha destrozado las vidas de mucha gente. Otra razón por la que nos hemos quedado en el mundo moderno es que es más barato que rodar una película de época en el siglo XVII. No tengo que preocuparme de quitar líneas de teléfono por todas partes. ¡Puedo tener una carretera moderna!"
En este regreso al universo de Don Quijote a través de la mirada de Terry Gilliam nos encontramos con érase una vez un joven e idealista estudiante de cine, Toby. Su gran logro, un remake lírico de la historia de Don Quijote encuadrado en un antiguo y pintoresco pueblecito español. Pero eso es el pasado, ahora Toby es un director de anuncios desilusionado y arrogante, que piensa mayormente en el sexo. El dinero y la fama le han desencaminado, y ahora hace malabares con la mujer de su jefe, Jacqui, una tormenta de dimensiones bíblicas, y su propio ego, mientras intenta completar el rodaje de un nuevo anuncio en España.
Hasta que un misterioso gitano se acerca a él con una copia de la película que Toby rodó cuando aún era estudiante: Toby se emociona y se marcha en busca del pequeño pueblo donde hizo su ópera prima hace tantos años. Para su gran espanto, su pequeña película tuvo efectos terribles en el pueblo aletargado; Angélica, la joven que personificaba la inocencia, ahora trabaja como prostituta de alto standing; el viejo que interpretó a Don Quijote se ha vuelto completamente loco y realmente se cree "el caballero de la triste figura".
 Una serie de accidentes culmina en un fuego que amenaza con destruir al pueblo entero. La guardia civil persigue a Toby, pero este es "rescatado" por el viejo loco, quien le toma por su fiel escudero, Sancho, y le lleva campo a través en búsqueda de su Dulcinea.
A lo largo de su odisea, Toby tendrá que enfrentarse a demonios, tanto reales como ficticios, modernos y medievales. Se rescatan a damiselas en apuros, hay justas, se ajustician gigantes, ¡y las mujeres tienen barbas! La realidad y la fantasía se confunden en este extraño viaje con final fantasmagórico.
¿Podrá Toby reparar los daños y recuperar su propia humanidad? ¿Podrá Don Quijote sobrevivir a su propia locura y muerte inminente? ¿El amor lo conquistará todo?
Terry Gilliam desarrolla su universo barroco inspirándose visualmente en artistas como Goya y Doré. Para el director "El trabajo de Goya es extraordinario y es español, claro. Doré ilustró el Quijote en el siglo XIX, y sus imágenes siempre me han consumido. Es una batalla entre las imágenes precisa de Quijote y su mundo realizadas por Doré, y el mundo oscuro, fantasmagórico y perturbador de Goya".
Entre la ensoñación y la mirada fantástica de Gilliam el resultado es una propuesta personal donde se incluyen elementos autobiográficos del director. Don Quijote es un personaje que lucha a favor del poder de la imaginación contra las fuerzas de la razón, uno de los temas recurrentes en la obra del director. Cómo comenta Gilliam "se trata de los sueños y el poder para transformar el mundo. En contraste con Quijote tenemos la corrupción perniciosa de la vida moderna, sobre todo en los negocios y el mundo de los anuncios. Un tío de publicidad es el ejemplo perfecto de todo lo que Quijote no es. La gente de publicidad vende sueños, mientras el Quijote los cree - ahí reside la diferencia".
EL HOMBRE QUE MATÓ A DON QUIJOTE es la primera película filmada por Gilliam con cámaras digitales debido al tiempo que tardaría en procesar el negativo, como recuerda el director de fotografía Nicola Pecorini "la película es más barata, y el problema del digital es que hay que igualar todo. Y las cámaras son voluminosas. Pero en España ya no quedan laboratorios de película. Y los laboratorios que hay, en Francia, Bélgica o Londres, no trabajan durante la noche ni en fines de semana. Por tanto, si estamos filmando en exteriores el último día, con película, en viernes, no sabríamos si todo está bien o no hasta el martes siguiente". Sin embargo, para tener algo más cinematográfico, Pecorini insistió en usar anamórficos consiguiendo unas lentes de Technovision diseñadas por Henryk Chroscicki y Beppe Magni. creadas a mediados de los 70 para Vittorio Storaro para Apocalypse Now (1979). Son lentes viejas y únicas usadas en muchas grandes películas, incluyendo El último emperador (1987) y que aportan a Quijote una dimensión épica.
En EL HOMBRE QUE MATÓ A DON QUIJOTE encontramos a un buen reparto encabezado por Adam Driver en el papel de Toby, el protagonista, un arrogante, falso y antipático a ratos personaje, un héroe perfecto; y el actor Jonathan Pryce en el papel de Javier, el viejo Zapatero que se cree el caballero don Quijote. ¿Es verdaderamente el caballero de la figura triste, el último defensor de la caballerosidad y la gallardía...? ¿O simplemente un viejo loco? Todo ello acompañado por la banda sonora creada por Roque Baños quien desarrolla una música donde se representan los sentimientos y delirios de Quijote, como recuerda el compositor, "Quijote realmente se cree un héroe, y que ha sido elegido para hacer el bien. Cuando lo veamos, debemos sentir lo que él siente. Cada palabra que sale de su boca, aunque no tenga sentido, tiene que ser honrada. Tenemos que sentirlo así, sentir que tiene razón". A destacar la escena donde todos los invitados a la fiesta observan a Quijote sobre el caballo de madera, una escena que como explica Baños "probé con muestras de susurros del gentío mezcladas con un coro. Es un sonido peculiar que da lugar a una atmósfera de confusión. Tuvimos que mezclar la muestra con vientos, con la orquesta, coro y percusión. Hacer que todo encajara con lo que había en la pantalla fue realmente complicado".
EL HOMBRE QUE MATÓ A DON QUIJOTE un viaje a los mundos imaginados y caóticos de Terry Gilliam. Entre el desastre y la brillantez visual.

FICHA TÉCNICA
Elhombre que mató a Don Quijote - Título original: The Man Who Killed Don Quixote - Dirección: Terry Gilliam - Año:2018 - Duración:133 min. - País: Reino Unido - Reparto: Jonathan Pryce, Adam Driver, Olga Kurylenko, Stellan Skarsgard, Joana Ribeiro, Óscar Jaenada, Jordi Mollà, Rossy de Palma, Jason Watkins, Paloma Bloyd, Sergi López, Mario Tardón, Joe Manjón, Bruno Sevilla, Patrik Karlson, Viveka Rytzner, Lídia Franco, Maria d'Aires, Juan López-Tagle - Guion: Terry Gilliam, Tony Grisoni (Novela: Miguel de Cervantes) - Música: Roque Baños - Fotografía: Nicola Pecorini - Estreno en España: 1 de junio 2018.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

El universo de STAR WARS sigue expandiéndose en la gran pantalla tras la compra de Lucas Film por Disney en el año 2012. Tras el primero de los tres nuevos spin-offs de la franquicia, titulado ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS (2016), dirigida por Gareth Edwards, llega a la gran pantalla en el año 2018 la segunda propuesta, HAN SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS, dirigida por Ron Howard. En esta ocasión la acción se centra en Han Solo, el legendario contrabandista con un corazón de oro y su frenético viaje de auto-descubrimiento. Un personaje, que como afirma el guionista Lawrence Kasdan es su favorito "desde el principio de la saga. Es el individuo más interesante de la saga. Es impredecible. Es imprudente. No es brillante. Dirá cosas que no tienen fundamento. Salta cuando tendría que estarse quieto. No hay nada más atractivo para mí que un chalado que esconde nobles sentimientos, pero que lo oculta lo mejor que puede".
HAN SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS explora las aventuras del contrabandista Solo y su fiel compañero Chewbacca antes de los acontecimientos de STAR WARS: EPISODIO IV UNA NUEVA ESPERANZA, donde es contratado por el antiguo jedi Obi-Wan Kenobi para que le lleve junto a Luke Skywalker hasta Alderaan. Dado que debe una gran suma de dinero a Jabba el Hutt, Solo acepta a los pasajeros en el Halcón milenario sin saber que acabará uniéndose a la Alianza rebelde contra el Imperio galáctico que dominan Darth Vader y el Emperador.
Han Solo en sus comienzos rodeado de personajes, conocidos como sus primeros encuentros con Lando Calrissian, el otro aventurero jugador de cartas de una galaxia muy, muy lejana. Sin olvidarnos de la llegada al universo de Star Wars de nuevos personajes como el digital Rio Durán, un miembro de la pandilla de Beckett, un arrogante e irreverente ardeniano. Es bajito, azul y el mejor piloto de la galaxia. Nadie puede superar a Rio. Y por una excelente razón: tiene cuatro brazos y dos piernas muy útiles. Un ser galáctico inspirado en deidades indias como Kali para realizar el diseño de Rio.
Como explica el supervisor de efectos de criaturas Neal Scanlan "empezamos esbozando ideas sobre su aspecto. Tiene brazos que salen de los hombros y la destreza de un mono, lo que le permite columpiarse y funcionar también cabeza abajo. De esa forma puede usar los pies igual que las manos. Es muy importante mantener visualmente la humanidad de un personaje y crear un diseño que sea atractivo, no intimidante, para atraer a toda una franja de edad". También destacan la aparición de criaturas nuevas oscuras como Madre Próxima, líder de un clan de vampiros y de un mundo subterráneo. Una alienígena acuática con la mitad inferior de su cuerpo compuesto de una maraña de tentáculos.
Seres fantásticos en un universo reconocido y ampliado con nuevos seres y paisajes en una aventura iniciática con más de 2.000 efectos visuales donde se dan cita las mejores técnicas de la vieja escuela combinadas con tecnología punta. Una mezcla que proporcionan a HAN SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS una gran apariencia y fuerza visual. Como explica Rob Bredow, el coproductor/supervisor de efectos visuales de Industrial Light & Magic, "tomamos algunas de las técnicas de efectos visuales más antiguas, como la proyección de pantalla frontal y posterior, y las actualizamos con la última tecnología. Eso nos permitió rodar entornos de 360 grados en el impresionante set de Dryden's Yacht. También utilizamos la última tecnología de proyección láser para rodear la cabina del Halcón con pantallas. Cuando sumergimos al reparto en el hiperespacio, en realidad lo estaban experimentando como lo harías en un simulador, pero con los efectos que proporciona la tecnología actual". El equipo de efectos especiales ha combinado marionetas de varillas y trajes de criaturas con efectos digitales de vanguardia para incorporar nuevos personajes como el droide L3-37 y Río al universo de Star Wars. Como añade Bredow "capturamos todo lo posible con la cámara, no sólo para las criaturas y los entornos, sino también para los increíbles vehículos de la película. Son speeders de verdad con 550 CV. El equipo de efectos especiales sólo les quitó las ruedas y mejoró el mundo a su alrededor. De hecho, L3 era Phoebe con un traje de verdad en todas las secuencias que no creamos digitalmente. Cuando rodábamos lo teníamos todo delante de nosotros, iluminado por la maravillosa iluminación de Bradford y listo para que Ron se pusiera a dirigir. Nuestro equipo de efectos visuales pudo trabajar basándose en esa realidad, contando siempre con la cámara para realizar los planos".
Acción y efectos especiales en una historia centrada en Han Solo que surge, como explica el guionista Lawrence Kasdan, "de narraciones antiguas. Es una historia sobre alguien que se forjó en el crisol de la vida: en el peligro, la violencia y el amor". El filme explora los años de formación de Han Solo y sigue su itinerario a través de una serie de encuentros impactantes, mezclando temas como la confianza, la lealtad, el amor y la traición con humor desenfadado, ingenio y acción trepidante. Para su director, Ron Howard, "es una historia de iniciación, coherente con Star Wars, con muchos temas que el público reconocerá. Se trata del periplo de un personaje que se pone a prueba ante desafíos únicos y de las personas que conoce por el camino para convertirse en el personaje que todos conocemos tan bien".
HAN SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS se adentra en los primeros pasos de Solo, desde joven hasta convertirse en el antihéroe que vimos en UNA NUEVA ESPERANZA, antes de que se encontrase con Luke y Obi-Wan en la cantina de Mos Eisley. Un Han Solo, interpretado por Alden Ehrenreich, que vive sus momentos de juventud a través de una serie de arriesgadas escaramuzas en las profundidades de un oscuro y peligroso submundo criminal, donde conoce a su futuro copiloto Chewbacca y se topa con el famoso jugador Lando Calrissian, en un viaje que marcará el rumbo de uno de los héroes más carismáticos de la saga de  Star Wars.
Entre seres fantásticos, planetas y acción el encuentro mítico entre Solo y Chewbacca, interpretado por el ex jugador de baloncesto universitario Joonas Suotamo, quien explica "Chewbacca es el compañero más leal. Es muy atento, siempre alerta ante el peligro porque ha vivido una vida larga y peligrosa. Es el compañero que sabe cuidar de ti. A Chewbacca le queda claro que Han necesita a alguien que lo cuide. Han es tremendamente audaz, tiene demasiada confianza en sí mismo y cree que puede hacerlo todo. Chewbacca está allí para decirle que necesita pensar antes de actuar".
Épica espacial donde se continúa con el sello musical desde el estreno de UNA NUEVA ESPERANZA en 1977. En esta ocasión, el compositor John Powell (trilogía de "Bourne") es el autor de la banda sonora de la película y adapta la música original de John Williams. Una música donde Powell apunta "he utilizado mucho material temático de las películas originales que no corresponde concretamente a Han. Se refieren al Halcón Milenario, a los luchadores de TIE y al Imperio. Han sido muy útiles porque forman parte del lenguaje que conocemos. Hay muchos otros personajes e ideas en la película para los que he escrito melodías y canciones, por lo que es una mezcla de nuevas canciones, una nueva pieza de John Williams y parte del material antiguo. Debido a la pasión que siento por las bandas sonoras que John había compuesto originalmente, estaba muy familiarizado con ellas, y los realizadores me dijeron que quería que pusiera la música a una película de cine negro. Sí, está claro que era una película de Star Wars, pero en realidad se trata de una película de cine negro y basada en los personajes". Un inframundo con piratas y gánsters donde la Fuerza no está presente solucionado con la creación de un tema general, que Powell explica "el agujero que queda en una película de Star Wars que no cuenta con la Fuerza debe llenarse con una idea de que el amor es la Fuerza. Se habla del lado bueno y del lado malo del amor, y de la amistad, la familia, la esperanza y el deseo de formar parte de algo".
HAN SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS es un ejercicio de nostalgia en búsqueda de la primera vez en la vida de Solo. Sucesión de escenas de acción inspiradas por el western que enriquecen con sus referencias a otros filmes de la saga encajando en la cosmología galáctica. Ópera espacial al encuentro de la esencia del contrabandista más famoso de la galaxia. Una narración que intenta huir de la seriedad reforzada por un buen reparto de secundarios, desde el aclamado Donald Glover a la pareja de Thandie Newton y Woody Harrelson o la robot activista con la voz en versión original de Phoebe Waller-Bridge.
HAN SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS arranca el viaje de Han y Chewie.

FICHA TÉCNICA
Han Solo: Una historia de Star Wars - Título original: Solo: A Star Wars Storyaka - Director:Ron Howard - Año:2018 - País:Estados Unidos - Duración: 135 minutos - Reparto: Alden Ehrenreich, Emilia Clarke, Donald Glover, Woody Harrelson, Thandie Newton, Phoebe Waller-Bridge, Warwick Davis, Clint Howard,  Paul Bettany, Richard Dixon, Joonas Suotamo, Sarah-Stephanie, Deepak Anand, Slim Khezri, Ian Kenny, Douglas Robson, Omar Alboukharey, Sean Gislingham, Nathaniel Lonsdale - Guion: Lawrence Kasdan, Jon Kasdan (Personaje: George Lucas) - Producción: Kathleen Kennedy, Allison Shearmur y Simon Emanuel - Productores ejecutivos: Lawrence Kasdan, Jason McGatlin, Phil Lord y Christopher Miller - Supervisor de efectos especiales: Dominic Tuohy - Supervisor de efectos visuales: Rob Bredow - Efectos especiales de criaturas: David Crossman y Glyn Dillon - Vestuario: Jamie Wilkinson - Música:John Powell - Fotografía: Bradford Young - Estreno en España: 25 de mayo 2018.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

En el amplio universo de Marvel encontramos a DEADPOOL, uno de los personajes más iconoclastas. Un mercenario y antihéroe creado por el dibujante Rob Liefeld y el escritor Fabian Nicieza que aparece por primera vez en el número 98 de la colección de cómics New Mutants (publicado originalmente en febrero de 1991) y sus apariciones continuaron en la colección X-Force. El personaje se hizo bastante popular, y llegó a protagonizar miniseries como THE CIRCLE IN CHASE en 1993 escrita por Fabian Nicieza con dibujos de Joe Madureira y SINS OF THE PAST creada en 1994 por Mark Waid e Ian Churchill, para tener apariciones como invitado en colecciones de cómics de la editorial Marvel como Wolverine, Nómada, Silver Sable y Heroes for Hire. En 1997 inició su andadura en una serie inicialmente escrita por Joe Kelly y dibujada por Ed McGuinness, unas aventuras consideradas de culto por sus reconocidas conversaciones con referencias a la cultura popular, su sarcasmo y humor negro. Su serie duró hasta el número 69 donde fue cancelada para reaparecer en diferentes ocasiones como la publicación Cable & Deadpool en el año 2004 escrito por Fabian Nicieza que terminó en su número 50, apariciones breves en la serie WOLVERINE: ORIGINS escrita por Daniel Way, una nueva serie propia publicada en el mes de septiembre del 2008 o las mini-series del 2009 tituladas DEADPOOL: SUICIDE KINGS y DEADPOOL: MERC WITH A MOUTH.
Enfundado en un traje de colores rojo y negro con su rostro cubierto DEADPOOL aterrizaba en la gran pantalla en el año 2016 bajo la dirección de Tim Miller e interpretada en el papel del enmascarado por Ryan Reynolds, quien comentaba "en el mundo del cómic, Deadpool es un hombre de nuestro tiempo con la capacidad de soltar por su boca lo correcto, desde un punto de vista de referencia de cultura popular, en el peor momento posible. Eso es lo que le hace interesante para mí y también, en cierto modo, ilimitado. Desarrollamos la idea de que Deadpool era consciente de que es un antihéroe de cómic. Eso nos proporcionó libertad para contar esta historia de una forma absolutamente heterodoxa. Hemos llenado un espacio que ninguna otra película basada en un cómic ha ocupado o puede ocupar".
DEADPOOL nos trasladaba a los orígenes del antiguo agente de las Fuerzas Especiales reconvertido en mercenario Wade Wilson, quien, tras ser sometido a un cruel experimento que le confiere poderes de curación acelerada, adopta el álter ego de Deadpool. Armado con sus nuevas habilidades y un oscuro y perverso sentido del humor, Deadpool persigue al hombre que casi acabó con su vida.
DEADPOOL se distancia de los héroes y villanos que pueblan los cómics de Marvel con su carácter sardónico e irreverente que conecta directamente con el espectador asumiendo desde la pantalla, como explica Tim Miller, "que está en un cómic e incluso sabe que está en una película. Rompe la cuarta pared y habla con el público. A veces, es malo con los espectadores, ¡pero ellos se lo merecen! Me gusta pensar en él como el regenerador degenerado. DEADPOOL siempre ha estado destinado a ser un filme provocador, y este momento es el adecuado para ello. El género de superhéroes y películas de cómics es mucho más amplio, y parece que es hora de hacer un filme como éste, uno que, en cierto modo, expanda las fronteras un poco más".
El MERCENARIO BOCAZAS con su violencia extrema, lenguaje directo comprometiendo al espectador regresa en el año 2018 con su secuela DEADPOOL 2 dirigida por David Leitch, quien afirma haber tenido "el honor y el privilegio de participar en la creación de varios universos cinematográficos como JOHN WICK o ATÓMICA, todos ellos distintos e interesantes, pero la fascinación que me provoca el universo de Deadpool es particular. Es otra forma de entender la comedia de acción. La original fue tan especial, y el mundo en sí es tan expansivo que nos da libertad creativa a la vez que nos mantenemos fieles a la original. Deadpool es una especie de 'Jorobado de Notre Dame'. Está desfigurado y siente mucha empatía. Su historia es interesante. Tiene poderes curativos. Es en cierto modo invencible. Y es irreverente. Dice cosas oscuras, graciosas, atrevidas, cosas que no se pueden decir, pero nos gusta escucharlas. Esa mezcla es estupenda para un personaje".
Protagonizada por Ryan Reynolds, quien también es guionista y productor en esta entrega, sigue profundizando en no tomar el género de los superhéroes muy en serio riéndose de su propio personaje y bromeando con todos los aspectos de la franquicia. Un trabajo de demolición en primera persona. Provocativa y divertida cuyo camino irreverente iniciado en su primera entrega continúa.
En esta secuela tras sobrevivir a un ataque bovino casi mortal, un desfigurado cocinero, Wade Wilson, interpretado por Ryan Reynolds, lucha por cumplir su sueño de convertirse en el camarero buenorro de First Dates mientras aprende a arreglárselas después de perder el sentido del gusto. Buscando algo picante en su vida (y también un condensador de fluzo), Wade deberá luchar contra ninjas, yakuzas y una manada de canes sexualmente agresivos mientras viaja alrededor del mundo para descubrir la importancia de la familia, la amistad y el sabor, encontrando un nuevo gusto por la aventura y lograr ganar el codiciado título que pone en las tazas de café: "El mejor amante del mundo".
Wade Wilson tiene que vérselas esta vez con Cable, el poderoso villano ha secuestrado a  Russell para salvar al joven, el desvergonzado mutante decide montar un hiper-mega escuadrón al que va a llamar X-Force. En este escuadrón estarán Domino (Zazie Beetz), Estrella Rota (Lewis Tan), Negasonic (Brianna Hildebrand), Zeitgeist (Bill Skarsgård), Yukio (Shioli Kutsuna), Coloso (Stefan Kapicic) y Bedlam (Terry Crews). Con su característica irreverencia, el antihéroe deberá demostrar a Cable que es un héroe y no solo un payaso.
DEADPOOL 2 nos ofrece ritmo, sin tregua, en una dosis de humor para todos los gustos donde destaca un excelente Ryan Reynolds acompañado por la presencia y acción visual de la nueva Domino interpretada por Zazie Beetz, un personaje creado por Rob Liefeld cuya primera aparición en los cómics fue en el número 98 de LOS NUEVOS Mutantes, precisamente el mismo ejemplar en el que debutó Deadpool. Como recuerda Liefeld "Deadpool derribó a sus enemigos en el trascurso de diez páginas, pero Dominó anuló a Deadpool en una. Es de armas tomar. Es capaz de plantarle cara a cualquiera, sobre todo a Deadpool y a Cable. Es una combatiente que patea culos con sus poderes únicos. El suyo es el poder de las probabilidades, casi como la suerte. Es maravillosa e impredecible".
Sin olvidarnos de CABLE, interpretado por Josh Brolin, el viajero en el tiempo. Un guerrero infectado con un virus tecno-orgánico que le hace cibernético. Para el guionista Paul Wernick, "Deadpool es la vía de entrada al mundo X-Force, y una parte esencial de la misma. Cable es el polo opuesto, la contrapartida seria y serena que compensa la locura de Deadpool. Su trayectoria emocional es paralela. A pesar de ser muy diferentes son muy similares en tanto en cuanto ambos han sufrido. Ambos han perdido algo y buscan algo. Al final, se encuentran el uno al otro".
En DEADPOOL 2, como recuerda el guionista y productor Rhett Reese, el lema no es "cuando ellos caen bajo, nosotros apuntamos alto". El nuestro es: "cuando ellos caen bajo, nosotros caemos aún más bajo". Estamos dispuestos a hacer de todo, lo que sea necesario con tal de hacer reír".
DEADPOOL 2 humor y acción mutante. Mercenario bocazas, el antihéroe más gamberro de Marvel más grande y más irreverente.

FICHA TÉCNICA
Deadpool 2 - Dirección: David Leitch - Año: 2018 - Duración: 111 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Ryan Reynolds, Josh Brolin,  Zazie Beetz,  Morena Baccarin, Julian Dennison, T.J. Miller, Karan Soni, Brianna Hildebrand, Leslie Uggams, Jack Kesy, Eddie Marsan, Lewis Tan, Bill Skarsgård, Brad Pitt, Rob Delaney, Terry Crews, Shioli Kutsuna, Hayley Sales, Luke Roessler, Scott Vickaryous, Tanis Dolman, Nikolai Witschl, Andréa Vawda - Guión: Rhett Reese, Paul Wernick, Ryan Reynolds (Cómic: Rob Liefeld, Fabian Nicieza) - Música: Tyler Bates - Fotografía: Jonathan Sela - Estreno en España: 18 de mayo 2018.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

Una versión animada en 3D para disfrute de los más pequeños con un guiño al universo TOY STORY, salida directamente de la factoría Disney, donde la historia de amor más grande jamás contada de ROMEO Y JULIETA protagonizada por los míticos gnomos de jardín de toda la vida, totalmente kitsch, llegaba a la gran pantalla en el año 2011. Su título GNOMEO Y JULIETA, una disparatada aventura de acción cómica y trágica a la vez aderezada con un romanticismo acaramelado de Gnomeo y Julieta, dos gnomos de cerámica que tienen que superar un sinfín de obstáculos al verse envueltos en una disputa entre vecinos. ¿Podría esta pareja vivir feliz para siempre entre flamencos rosas de plástico y carreras de cortadoras de césped?
Con canciones clásicas y originales de Elton John y Bernie Taupin en la banda sonora de James Newton Howard y Chris Bacon y una colorida e intensa presentación visual. No era la primera ni la última versión de ROMEO Y JULIETA, la fábula trágica de dos adolescentes enamorados que William Shakespeare escribió a finales del siglo XVI, desde la adaptación operística de Georg Benda en los años 1700 hasta el popularísimo musical de los años 50 titulado WEST SIDE STORY.
La versión protagonizada por gnomos de jardín del clásico de Shakespeare resultaba una aceptable propuesta cinematográfica con sus dosis de humor que en el año 2018 regresa en su segunda entrega, SHERLOCK GNOMES, dirigida por John Stevenson, quien explica haber cambiado de género, "nuestra primera película fue una comedia musical romántica acerca del enfrentamiento entre dos jardines, con pocos exteriores y un riesgo muy limitado, mientras que Sherlock Gnomes es una comedia de aventura y acción. El guionista Ben Zazove Trasladó el escenario a Londres, al considerar que era una ubicación más adecuada para una historia de Sherlock. Londres también nos ofreció un lienzo mucho más amplio, que nos permitió sacar a nuestros héroes de su familiar entorno ajardinado, para lanzarlos a una ciudad llena de superficies duras, vehículos que se mueven vertiginosamente y millones de seres humanos, cosas todas ellas que pueden hacer pedazos fácilmente a un frágil gnomo de cerámica".
En esta secuela, como recuerda el productor, cantante y compositor Elton John, quien regresa con dos canciones originales y cuyo repertorio sirve de inspiración para la banda sonora, "en realidad, es una carta de amor a Londres. Había tal cantidad de escenarios y tantas localizaciones diferentes, que sería increíblemente aburrido tenerlos encerrados en el jardín durante toda la película". Una banda sonora que en esta ocasión también incluye nuevas versiones de DON'T GO BREAKING MY HEART, SATURDAY NIGHT'S ALRIGHT FOR FIGHTING, PHILADELPHIA FREEDOM, y THE ONE remezcladas y producidas por Pnau.
Después del cataclismo que destruye los jardines de Montescos y Capuletos en GNOMEO Y JULIETA, los antiguamente inflamables vecinos dejan a un lado sus diferencias y trasladan a sus familias desde su actual vida con jardines integrados en el tranquilo municipio de Stratford-upon-Avon a una novedosa experiencia en el bullicioso Londres. Gnomeo y Julieta acaban de llegar a la ciudad con sus amigos y familiares, y su principal preocupación consiste en preparar su nuevo jardín para la primavera. No obstante, no tardan en descubrir que alguien está secuestrando gnomos de jardín por todo Londres. Cuando Gnomeo y Julieta vuelven a su jardín y descubren que todo el mundo ha desaparecido de allí, solo hay un gnomo al que pueden recurrir... SHERLOCK GNOMES, el famoso detective y protector de los gnomos de jardín de Londres se presenta junto a su acompañante Watson para investigar el caso. El misterio arrastrará a nuestros gnomos a una desternillante aventura en la que conocerán nuevas figuras ornamentales y explorarán el lado desconocido de la ciudad.
Suspense y comedia en el universo de los gnomos junto al mejor dúo detectivesco de cerámica Sherlock y Watson. Misterio y humor para unos personajes icónicos de la literatura, que como explica la productora Carolyn Soper, "están muy bien trazados en el relato, son extraordinariamente inteligentes, pero emocionalmente herméticos. A pesar de su mente brillantemente deductiva, en numerosas ocasiones no tiene ni idea de lo que sucede a su alrededor, lo que genera un montón de situaciones cómicas". Un dúo investigador en una diferente mirada a la altura del jardín con su dificultad creativa, en palabras de John Stevenson "tradicionalmente, Sherlock ha sido representado como alto y espigado, y los gnomos suelen ser bajos y rechonchos. Si hubiésemos tratado de representarlo en un punto intermedio, habría acabado con el aspecto de un granjero victoriano chaparro, así que optamos por la ruta del aspecto tradicional, incorporando algunos sutiles motivos de gnomos - topos en el sombrero deerstalker de Sherlock y en el bombín de Watson, y la barba blanca con forma de medialuna de Sherlock. Pretendíamos que fuesen la imagen de Sherlock y Watson de una fábrica de gnomos de jardín, interpretaciones basadas en cientos de adaptaciones de cine y televisión, que no obstante resultan inmediatamente reconocibles".
En esta entrega Gnomeo y Julieta tienen que adentrarse en lo desconocido. Mientras que en la primera película la clave era superar la presión exterior para poder estar juntos, en esta lo que se plantea es el desafío de mantenerse unidos.
SHERLOCK GNOMES resulta una entretenida animación que no tiene ningún deseo de competir con Pixar. Es una Parodia elaborada en una correcta animación sin aportar nada especial con un guion sencillo y algunos toques de humor
SHERLOCK GNOMES narración apócrifa animada de Arthur Conan Doyle. Investigación y deducción de los gnomos de jardín en Londres. Elemental querido Gnomo.

FICHA TÉCNICA
Sherlock Gnomes - Título original: Gnomeo & Juliet: Sherlock Gnomes - Dirección: John Stevenson - Año: 2018 - Duración: 86 min. - País: Estados Unidos - Producción Ejecutiva: Elton John - Producción: Steve Hamilton Shaw, David Furnish y Carolyn Soper - Basada en personajes de Rob Sprackling & John Smith, Andy Riley & Kevin Cecil, Keely Asbury y Steve Hamilton Shaw -  Historia: Andy Riley & Kevin Cecil y Emily Dee Cook & Kathy Greenburg - Guión: Ben Zazove - Música: Elton John, Chris Bacon -  Estreno en España: 11 mayo 2018.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © María José S. Bermejo

Marvel con sus superhéroes desde la aparición de la película IRON MAN en el año 2008 dirigida por Jon Favreau y protagonizada por un excelente Robert Downey Jr.  comenzó a elaborar una línea de trabajo presentándonos en la gran pantalla a diversos personajes de su universo de viñetas para luego reunirlos a todos en un solo largometraje. La idea de LOS VENGADORES salió por primera vez a la luz durante el rodaje de IRON MAN. Al productor Kevin Feige se le ocurrió que S.H.I.E.L.D. podría formar parte de Iron Man y de El increíble Hulk. Como anunciaba Tony Stark "formas parte de un universo más grande, algo que no conoces todavía". LOS VENGADORES llegaba a la gran pantalla en el año 2012 tras poderse ver el primer teaser del filme en julio de 2011 justo después de los títulos de crédito finales de CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR. El Dream Team de la editorial Marvel con la dirección de Joss Whedon quien ofrecía un filme entretenido y vibrante donde lograba equilibrar acertadamente una historia potente donde cada personaje brilla por igual en una aventura que tiene un enemigo inesperado que amenaza con poner en peligro la seguridad mundial, así que Nick Fury, Director de la agencia internacional para el mantenimiento de la paz conocida con el nombre de S.H.I.E.L.D., necesita encontrar urgentemente un equipo que salve al mundo del mayor de los desastres. Cine de acción y entretenimiento en una película coral de superhéroes donde cada uno tiene su gran momento rodeado de un humor elaborado que sin llegar a la parodia ayuda al desarrollo de la historia que nos cuenta. Un interesante prólogo donde conocemos a cada uno de superhéroe y sus notables diferencias introduciéndonos en un cine de acción donde destaca el plano secuencia de la batalla final donde podemos ver como combate cada uno de los integrantes de Los Vengadores. Un acertado reparto donde cada actor aporta su particular sensibilidad destacando Robert Downey Jr.
Este grupo de superhéroes nació como una respuesta a la serie de la Liga de la Justicia de la compañía DC Cómics. Creados por Stan Lee y Jack Kirby quienes publicaron en septiembre de 1963 la primera aventura de este súper grupo. El equipo original en las viñetas se encontraba formado por Iron Man, Thor, Hulk, el Hombre Hormiga y la Avispa. El Capitán América se incorporó al equipo en la cuarta entrega, después de que le revivieran tras estar atrapado en un bloque de hielo. Stan Lee considera que "ver que muchos de mis personajes siguen, siendo tan populares es la prueba de la permanencia del Universo Marvel. Creo que una de las razones por las que los personajes de Marvel han tenido tanto éxito es que cuando los creamos intentamos dotarles de personajes complejos con problemáticas personales para que la gente se interesara en ellos, aunque no tuvieran superpoderes. En otras, palabras, intentamos que nuestros héroes y heroínas fueran tridimensionales, gente interesante. A veces la gente comete el error de concentrarse sólo en el superpoder en vez de en la persona real que se esconde debajo del disfraz. Todos los personajes de LOS VENGADORES tienen una historia personal interesante además de su misión de salvar al mundo".
Para continuar la epopeya cinematográfica de acción y aventuras que iniciaron LOS VENGADORES se estrenaba su segunda entrega en el año 2015 titulada VENGADORES: LA ERA DE ULTRÓN donde deben proteger al mundo de la mayor amenaza que haya sufrido jamás la humanidad. Escrita y dirigida por Joss Whedon con el mismo elenco de actores de la primera entrega con nuevas incorporaciones al Universo Cinematográfico de Marvel como  QUICKSILVER, interpretado por Aaron Taylor-Johnsontan, veloz como el rayo junto a su misteriosa hermana gemela BRUJA ESCARLATA, protagonizada por Elizabeth Olsen, con un gran poder de telequinesis capaz de disparar neuronas al cerebro de la gente utilizando sus poderes por control remoto para manipular sus mentes y VISION, encarnado por Paul Bettany que ya había puesto voz a Jarvis en las películas de IRON MAN, un androide poderoso y misterioso que es cruel, peligroso e incontrolable, quien dispone de unos poderes espectaculares que representa una nueva era en las posibilidades del equipo de Los Vengadores.
VENGADORES: LA ERA DE ULTRÓN nos aportaba un equilibrado reparto coral con unos personajes bien elaborados rodeados de un logrado exceso visual donde no hace falta ser un experto en el universo Marvel para disfrutar de la trama. El filme entre el humor y el conflicto donde la unión hace la fuerza.
La tercera entrega llega en el año 2018 con VENGADORES: INFINITY WAR, décimo novena película de los Estudios Marvel. Dirigida por Anthony y Joe Russo, quienes nos recuerdan que "es un relato que resume todo el universo Marvel y que sigue un hilo argumental basado en la siguiente pregunta: ¿Cuánto cuesta ser un héroe en un mundo donde no hay respuestas fáciles?". Un reencuentro con los superhéroes más importantes de Marvel que regresan en una espectacular película donde volvemos a encontrar, entre otros, a Tony Stark, interpretado por Robert Downey Jr., quien se enfrenta a los problemas y desafíos más complejos hasta la fecha con la amenaza inminente de Thanos que va ganando terreno con cada Gema del Infinito que intenta obtener. Tony debe sopesar el coste de ser un Superhéroe porque su vida privada ha cambiado radicalmente; Capitán América, que encarna Chris Evans para quien "ser un canalla y llevar tanto tiempo huyendo le ha dado al personaje una dimensión diferente. En el plano emocional, Cap está más endurecido que nunca. Está en una situación muy complicada. Ha tenido que endurecerse para sobrevivir porque el gobierno lleva dos años persiguiéndole. Es un Cap diferente al que hemos visto”; Thor, el Dios del Trueno, quien se reincorpora al equipo de los Vengadores después de haber estado ausente en CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR y tras exiliarse en el espacio y pasar un tiempo en Asgard; Bruce Banner vuelve con los Vengadores. Banner ya no se relaciona con Hulk a través de la ira, es un hombre diferente. Banner intenta controlar su temperamento porque tiene miedo de que salga Hulk, como comenta Mark Ruffalo, que interpreta a este conflictivo personaje, "siempre tuvo la impresión de que no controla sus emociones y que está a punto de estallar, pero lo cierto es que en 'Thor: Ragnarok' ya no está siempre enfadado. Así que ahora Banner nos ofrece una faceta más humana de su personaje. Puede enfadarse. Puede emocionarse. Puede estar molesto"; basándose en la relación entre CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR y SPIDER-MAN: HOMECOMING, Peter Parker, interpretado por Tom Holland,  ha progresado bajo la atenta mirada de Tony Stark y, en esta ocasión es  uno de los Vengadores que lucha contra Thanos; y  T'Challa, el rey de Wakanda, alias Black Panther, quien desempeña un papel importante, como explica el actor Chadwick Boseman, "'Capitán América: Civil War' puso en el mapa a 'Black Panther', y esa película pone en el mapa a Wakanda, uno de los temas más importantes de 'Vengadores: Infinity War'. Ha dejado de estar aislado y sus fronteras se están abriendo para que el resto del mundo pueda compartir sus recursos y sus tesoros. Hay una gran camaradería entre el Capitán América y Black Panther y empiezan a confiar el uno en el otro. Esto permite que T'Challa abra su corazón y empiece a confiar en los de fuera".
Entre las nuevas incorporaciones encontramos, entre otros, a los personajes de Guardianes de la Galaxia y el Doctor Stephen Strange interpretado por Benedict Cumberbatch. Una reunión de superhéroes que se enfrentan a Thanos. Un villano del Universo Cinematográfico Marvel tan poderoso, que la sola mención de su nombre representa una amenaza letal para las vidas de toda la humanidad, así como para todo el equipo de los Vengadores. Thanos apareció por primera vez en 1973, en el nº55 del cómic de "Iron Man". Se trata de un poderoso señor de la guerra que gobierna en las regiones más lejanas del espacio y que está a la cabeza de gigantescos ejércitos conocidos como los Chitauri y los Outriders. Como afirma Kevin Feige "siempre supimos que el listón estaba muy alto en el caso de Thanos. Hizo una aparición muy breve en 'Los Vengadores'. Tuvo un par de líneas de diálogo y una corta aparición en 'Guardianes de la Galaxia'; y lo vimos muy brevemente al final de 'Vengadores: La era de Ultrón'. Pero aparte de eso, nunca lo hemos visto hacer nada. Llevamos hablando de la llegada de Thanos desde 'Los Vengadores'. En nuestra historia, Thanos profirió una amenaza que superaba todo lo que los Vengadores habían visto antes. No solo es fuerte y poderoso, también es un villano carismático que empieza a despertar cierto interés. Por encima de todo, esta es la historia de Thanos y sus ambiciones, sus objetivos y su pasado. Es la primera vez que una película del Universo Cinematográfico Marvel se cuenta desde el punto de vista del villano".
VENGADORES: INFINITY WAR se inicia cuando los Vengadores y sus aliados continúan protegiendo al mundo de amenazas demasiado grandes para un solo héroe. Pero ahora ha surgido una peligrosa amenaza de la profundidad de las sombras cósmicas: Thanos, un déspota con una maldad intergaláctica, no se detendrá ante nada para hacerse con las seis Gemas del Infinito ya que su ambición es ejercer un poder inimaginable y doblegar a toda la humanidad.
Los Vengadores y sus aliados Superhéroes reúnen un equipo que incluye a miembros de todas las franquicias del Universo Cinematográfico Marvel. Todos deberán sacrificarse como nunca lo han hecho para derrotar al todopoderoso Thanos antes de que su guerra de devastación y ruina acabe con el universo. VENGADORES: INFINITY WAR es un periplo cinematográfico sin precedentes que abarca 10 años y todo el Universo Cinematográfico Marvel y que lleva a la pantalla el enfrentamiento definitivo y más letal de todos los tiempos.
VENGADORES: INFINITY WAR profundiza en el universo Marvel ofreciéndonos un gran desafío visual y narrativo en una danza de escenas épicas repletas de acción en un ritmo frenético que salta de la acción a la comedia.
VENGADORES: INFINITY WAR intensidad, peligro y ramificaciones en el Universo Cinematográfico Marvel. Finales y nuevos comienzos en el grupo de VENGADORES. Blockbuster de gran calidad.

FICHA TÉCNICA
Título original: Avengers: Infinity War - Dirección: Anthony Russo y Joe Russo - Año: 2018 - Duración: 156 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Benedict Cumberbatch, Chris Evans, Mark Ruffalo, Scarlett Johansson, Chris Pratt, Tom Holland, Josh Brolin, Elizabeth Olsen, Chadwick Boseman, Pom Klementieff, Terry Notary, Dave Bautista, Karen Gillan, Tessa Thompson, Zoe Saldana, Gwyneth Paltrow, Tom Hiddleston, Cobie Smulders, Paul Bettany, Sebastian Stan, Peter Dinklage, Samuel L. Jackson, Benicio del Toro, Danai Gurira, Benedict Wong, Anthony Mackie, Don Cheadle, Idris Elba, Vin Diesel, Bradley Cooper y William Hurt  - Guion: Christopher Markus y Stephen McFeely (Cómic: Jack Kirby y Jim Starlin) - Música: Alan Silvestri - Fotografía: Trent Opaloch - Montadores:  Jeffrey Ford y Matthew Schmidt - Vestuario: Judianna Makovsky -  Supervisor de efectos visuales: Dan DeLeeuw - Supervisor de efectos especiales: Dan Sudick - Estreno en España: 27 - abril - 2018.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © María José S. Bermejo

El director Wes Anderson en el año 2009 se sintió atraído por la animación stop motion (fotograma a fotograma) en el largometraje FANTÁSTICO Mr. FOX, su adaptación del relato EL SUPERZORRO escrito por Roald Dahl con ilustraciones de Donald Chaffin. El resultado fue una bella película rodada, en plena explosión del 3D, en un magnífico y sorprendente stop-motion. Esta manera de contar cine siempre ha gustado a Anderson, recordemos varias secuencias de LA VIDA ACUÁTICA DE STEVE ZISSOU (2004). Técnica manual y artesanal que se pone en práctica en FANTÁSTICO Sr. FOX recordando a los grandes clásicos como Willis O’Brien (KING KONG, EL GRAN GORILA) y Ray Harryhausen (JASON Y LOS ARGONAUTAS, SIMBAD Y LA PRINCESA). Una mirada al clasicismo del stop-motion que con la puesta al día de marionetas, uso de cámaras de fotografía digital, introducción del ordenador y equipos auxiliares de vídeo y la posibilidad de eliminar el mecanismo que controla a las marionetas en posproducción, pudiendo efectuar tomas que antes resultaban imposibles han hecho factible la creación de filmes como  PESADILLA ANTES DE NAVIDAD (1993) y LA NOVIA CADAVER (2005) de Tim Burton o  EVASIÓN EN LA GRANJA (2000) y WALLACE & GROMIT: LA MALDICIÓN DE LAS VERDURAS (2005) de Nick Park.
El universo stop motion regresa a la creación de Wes Anderson en su segundo filme con esta técnica titulado ISLA DE PERROS (2017). Siguiendo por el excelente camino de la primera propuesta visual. Stop motion al estilo Wes Anderson. Precisión en el encuadre, simetría dentro del fotograma y situando a los personajes en el centro del mismo y con frecuencia hablando directamente a cámara, planos generales de las escenas o utilización de planos de travelling largos y lentos. En ISLA DE PERROS confluyen todos los temas, planos, intimidad emocional y aventura de las cintas más prestigiosas de Anderson. De la complejidad de los títeres y los micro decorados surge un reino viviente de heroicos cruzados cuyo periplo nos resulta conocido. El tono es el de una leyenda caprichosa, pero está cimentada en cuestiones reales, grandes y pequeñas, de la vida misma: la amistad, la familia, el futuro del género humano y el hecho de arrimar el hombro para enmendar nuestros desastres.
Si en FANTÁSTICO Mr. FOX Wes Anderson se inspiraba en un pionero del stop-motion Ladislas Starevich y muy especialmente en su filme LE ROMAN DE RENARD (EL CUENTO DEL ZORRO) rodado en el año 1941 con marionetas fabricadas con piel de animales y recreadas de una forma artesanal y perturbadora, en ISLA DE PERROS las influencias narrativas y visuales se dirigen a las películas japonesas y muy especialmente al legado del cineasta Akira Kurosawa quien junto con su coguionista, como recuerda Anderson, "trabajaron juntos para formar las ideas iniciales de sus cintas -y a continuación se las contaban a un tercer miembro del equipo a quien denominaban "la torre de control". Este tercero les decía lo que estaba bien y lo que estaba mal, básicamente criticaba su trabajo. Y así daban forma a sus guiones. Es algo muy común en el cine italiano, que los escritores trabajen en equipo". Así la historia inventada de ISLA DE PERROS evolucionó desde aquella chispa soñada a la espectacularmente detallada creación de la ciudad de Megasaki, la geografía de Isla Basura y el reparto de dispares y deliciosos personajes, tanto perros como personas. Cómo explica Anderson "Queríamos hacer algo medio futurista, y se nos ocurrió la idea de una película en torno a los perros. Siempre me han llamado la atención los perros que viven entre los vertederos, la construcción de un mundo a partir de perros abandonados como telón de fondo. El contexto japonés se debe a que queríamos hacer algo realizado con su cine. Quiero decir, que todos amamos Japón, y queríamos hacer algo realmente inspirado por las películas japonesas, por lo que acabamos mezclando la peli de perros con el elemento japonés".
En ISLA DE PERROS nos encontramos con un planeta Tierra donde la saturación canina ha alcanzado proporciones de epidemia. Un brote de fiebre canina se propaga por la ciudad de Megasaki. La gripe canina amenaza ahora con infectar a las personas. El alcalde Kobayashi de la Prefectura Uni dicta la expulsión y cuarentena de todos los canes, tanto callejeros como domésticos. Por decreto oficial, la Isla Basura se convierte en la isla del exilio. Seis meses después, una avioneta de un solo motor impacta en la isla. Una pandilla de cinco canes hambrientos pero resueltos descubren al piloto de doce años de edad, deambulando desorientado entre los restos calcinados de la nave. Se trata del joven Atari, el pupilo del alcalde Kobayashi. Con la ayuda de sus nuevos amigos perrunos, Atari emprende la búsqueda de su perro, Spots - y entretanto expone una conspiración que amenaza con acabar con todos los perros de Megasaki de una vez y por todas.
ISLA DE PERROS nos ofrece un guion análogo del clásico del forastero (el pequeño piloto) que llega a un entorno nuevo (la Isla Basura), y es una metáfora de la atemporal historia de perdedores luchando contra opresores cegados. Pero la magia de todo ello se desprende de los detalles, desde el encanto y la textura particulares de cada perro, pasando por la arquitectura abarrotada pero artística de Isla Basura, sin olvidar la idea de que un niño en busca de su fiel mascota pueda desencadenar una serie de acontecimientos que cambiarán el mundo.
En ISLA DE PERROS no se muestra un Japón real, pero tampoco un Japón falso. En su imperfecta y hermosa animación se mezcla lo antiguo y lo nuevo. Incorpora la imaginación de los comics japoneses y a Kurosawa durante su apogeo en los años sesenta llevando a cabo una extensa documentación histórica para todo el trasfondo de la película. Todo ello en unos 130.000 fotogramas que crean la ilusión de una acción envolvente elaborada con cámaras digitales Canon IDX y el programa informático conocido como Dragonframe para poder manipular y obtener al instante una vista previa de los fotogramas. A diferencia de la mayoría de las animaciones por ordenador, el stop-motion también prescinde del objetivo de obtener una representación exacta de la realidad, hecho que es especialmente evidente bajo la dirección de Anderson. ISLA DE PERROS pone de relieve que sus personajes son imprecisos, defectuosos, con una dimensión más interna que externa. Según el productor de animación, Simon Quinn, "Wes disfruta de la animación tal como es. No intenta ocultar el hecho de que estos son objetos fabricados. Celebra esta forma de arte; no trata de competir con la animación por ordenador. En realidad, dice: 'Vale, esta es una maqueta. Entonces, ¿cómo podemos sacarle partido? ¿Qué tipo de gags visuales podemos emplear?' Terminas utilizando guata de algodón para hacer humo o tallando jabón para hacer llamas de velas. Todas estas cosas son divertidas, son aquello que hace que el trabajo sea emocionante".
Animación y fantasía stop motion con elementos musicales de la cultura japonesa gracias a la banda sonora compuesta por Alexandre Desplat quien crea su propia presencia acústica original, especialmente con el tambor taiko mezclando su sonoridad con sorprendentes e inesperados instrumentos como saxofones y clarinetes, creando un sonido inusual y atractivo como la propia Isla Basura.
ISLA DE PERROS canes parlanchines, malvados robots, un niño aviador, una intrépida periodista escolar, virus mutantes, una isla mítica y un grave error humano. La fantástica isla stop-motion de Wes Anderson.

FICHA TÉCNICA
Isla de perros - Título original: Isle of dogs - Dirección: Wes Anderson - País: EEUU - Duración: 101 minutos - Año: 2018 - Voces original: Bryan Cranston, Edward Norton, Koyu Rankin, Bill Murray, Jeff Goldblum, Scarlett Johansson, Greta Gerwig - Guion: Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Roman Coppola, Kunichi Nomura, Jason Schwartzman) - Productores:  Anderson, Scott Rudin, Steven Rales y Jeremy Dawson - Director de fotografía: Tristan Oliver - Director de animación: Mark Waring - Música: Alexandre Desplat - Estreno: 20 de abril del 2018


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

El director de cine y video, guionista y documentalista japonés Shunji Iwai en el año 1993 dirigía para televisión FIREWORKS, SHOULD WE SEE IT FROM THE SIDE OR THE BOTTOM? protagonizada por Yuta Yamazaki, Megumi Okina y Takayuki Sorita. Una narración que posteriormente fue estrenada en cine y que tenía la influencia del film ATRAPADO EN EL TIEMPO (1993), la recordada comedia romántica dirigida por Harold Ramis y protagonizada por Bill Murray y Andie MacDowell, clásico del cine donde en un pequeño pueblo de Pennsylvania un periodista gruñón y antipático se ve y condenado a revivir, una y otra vez, el mismo día. Todo se repite, excepto su percepción de que le sucede en cada momento.
Una repetición del tiempo que acompaña también el relato de FIREWORKS, cuya emisión en televisión supuso muy buena crítica para Shunji Iwai recibiendo el premio de la Asociación de Directores Japoneses por su retrato de un grupo de niños de la ciudad de Iioka.
Una serie que desde el primer momento interesó al productor Genki Kawamura, responsable de películas como YOUR NAME (2016), quien pensó que el relato híbrido entre el romance adolescente y la fantasía del bucle en el tiempo se adaptaba a su deseo de crear una película de animación obteniendo en el año 2013 la autorización de Iwai para convertir su serie en un anime para los estudios de animación Shaft fundado el 1 de septiembre de 1975 por Hiroshi Wakao y caracterizados por su vanguardismo visual y narrativo desarrollado en series como BAKEMONOGATARI, adaptación de las novelas ligeras MONOGATARI (historia) escritas por Nisio Isin o PUELLA MAGI MADOKA MAGICA (Madoka la chica mágica 2011) perteneciente al subgénero de MAJOKKO consistente en niñas o adolescentes protagonistas poseedoras de algún objeto mágico o poder especial.
Un anime, FIREWORKS, que llega a las salas de cine en España en el año 2018 dirigido por Akiyuki Shimbô y Nobuyuki Takeuchi  (jefe de animación de varias obras maestras del anime como “El viaje de Chihiro” o “Ponyo en el acantilado"), con guion de Hitoshi Ône y Shunji Iwai. Un equipo creativo que, como afirma Genki Kawamura, "creo que el director Akiyuki Shimbo es la persona más indicada para ilustrar ese mundo de Moshimo con los métodos y realización propios de la animación. One amplió la idea de la repetición heredada de Iwai, y tomó forma con el estilo de Shimbo y la gracia artística de Shaft. Los tres son aficionados a las creaciones respectivas y se admiran mutuamente. Antes de pensar cómo se hace una película, yo siempre he pensado que me gustaría crear un método para hacer películas, y creo que esta obra tiene una especial gracia en este sentido, como si observara la reacción química resultante de juntar a tres directores para hacer una animación".
En  FIREWORKS nos encontramos en vacaciones de verano en una ciudad costera. Después de que se celebre el festival de fuegos artificiales, Nazuna se trasladará a otro instituto como consecuencia del nuevo matrimonio de su madre. Nazuna trata de convencer a Norimichi para que se escape de la ciudad con ella, sin embargo, a causa de su madre, él se convierte en un simple observador y no la ayuda. Agobiado por el pensamiento de que debería haber actuado de forma diferente, Norimichi lanza una misteriosa bola al mar y regresa milagrosamente al momento en que Nazuna le hizo la propuesta. ¿Qué destino les aguarda a Norimichi y a Nazuna al final de un día que se repite una y otra vez? Cuando los fuegos artificiales alcancen el cielo, ocurrirá un milagro...  es posible que la historia tenga otro final.
Fantasía y fuegos artificiales que interfieren en la aventura para convertir el relato en Los loops temporales y un eterno retorno hasta su final feliz rodeado de bolas mágicas. Luz, romanticismo y una banda sonora de ambiente compuesta por Satoru Kosaki que acompaña plácidamente la narración junto a la melodía principal compuesta especialmente para esta obra, que se repite varias veces a lo largo del metraje, titulada UCHIAGE HANABI (Castillo de fuegos) fruto de la colaboración de la rapera DAOKO y Kenshi Yonezu.
En FIREWORKS la vida se ve alterada si observas los fuegos artificiales. Una fantasía emocional donde la narración con sus repetidos y cambiantes situaciones rodeado de espíritu juvenil inunda de magia y poesía visual para navegar por la vida y sus múltiples posibilidades. Escenas que reflexionan sobre las decisiones tomadas y las segundas oportunidades. Ofreciéndonos un final abierto donde los sentimientos de los protagonistas se han visto afectados y nada volverá a ser igual. Como recuerda  Nobuyuki Takeuchi "El tema central sobre el que gira esta película es el deseo, algo que ojalá pudiese ocurrir. Eso mismo pude pasar con muchas películas, expresan un deseo y, por tanto, creo que no se pueden definir con un final concreto".
FIREWORKS tras su primera media hora  el ritmo va decayendo logrando una sensibilidad pausada y reiterativa para ir manteniendo el equilibrio narrativo entre bucles temporales y la dinámica sencilla y sólida de sus personajes para conseguir un filme entre la comedia y la tragedia, entre la fantasía y la belleza del verso, entre el amor y los viajes en el tiempo. Interesante anime tradicional en sus infinitas imágenes en sus fuegos artificiales con un magnífico diseño de escenarios y atmósfera sin llegar, en su conjunto, a los niveles del recordado anime YOUR NAME donde también la vida de dos adolescentes acababan mágicamente conectadas.
FIREWORKS amistad en la adolescencia en mágicos bucles temporales para una hiperromántica historia rodeada de ensueño

FICHA TÉCNICA
FIreworks . Duración: 90 minutos - País: Japón - Año: 2017 - Dirección: Nobuyuki Takeuchi y Akiyuki Shinbo - Guion: Hitoshi Ône y Shunji Iwai - Productora: Shaft - Estreno en España: 20 abril 2018.


Escrito por: © Fernando F. Vegas

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