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Escrito por: © María José S. Bermejo

La animadora y pintora polaca Dorota Kobiela en su cortometraje LITTLE POSTMAN (2011) nos ofrecía la primera película de animación en 3D realizada como si fuera un cuadro al óleo. Cinco minutos en un acercamiento a la II Guerra Mundial desde el punto de vista de un niño que reparte la correspondencia en pleno conflicto. Una innovadora propuesta de animación que se amplía con su proyecto visual titulado LOVING VINCENT que llega a las salas de cine de España en el año 2018, un largometraje donde Kobiela unió sus fuerzas con las del británico Hugh Welchman para crear un biopic único, pintado a mano, sobre Vincent van Gogh. El primer largometraje compuesto por pinturas animadas. Una idea que surge, como explica Kobiela, cuando decidió "que quería unir mis dos pasiones, la pintura y el cine, y hacer una película que estuviera pintada. Tenía 30 años cuando pensé en LOVING VINCENT por primera vez, la misma edad que tenía Van Gogh cuando empezó a pintar. Más que sus cuadros, que me encantan, fue el tipo de vida que tuvo lo que verdaderamente me inspiró. He luchado contra la depresión toda mi vida así que me inspiraba la fortaleza de Van Gogh para recuperarse de situaciones similares en su vida con tan solo veinte años y encontrando, a través de la pintura, una forma de traer belleza al mundo. Sus cartas me ayudaron mucho en un momento bajo de mi vida y me animaron a hacer esta película".
LOVING VINCENT es un hermoso homenaje al trabajo de Vincent Van Gogh uno de los grandes maestros de las artes plásticas donde vamos descubriendo a través de sus cartas y haciendo realidad en la gran pantalla uno de sus comentarios en su última carta "no podemos expresarnos mejor que a través de nuestros cuadros". De esta forma se expresa LOVING VINCENT haciendo que las pinturas cuenten la historia.
Un filme que inicialmente ha sido rodado con actores y, posteriormente, pintada a mano en lienzos fotograma a fotograma. Una técnica que fue elegida, como explica el director Hugh Welchman, "por dos razones: una creativa y otra práctica. La razón creativa era que Van Gogh pintaba a personas reales en sus retratos y quería transmitir la emoción del personaje real. Por ese motivo queríamos tener personas de carne y hueso delante de nosotros y sentir sus emociones. Pero trabajar con personas reales siempre ha sido un gran reto para el mundo de la animación. Por ese motivo, la mayoría de los grandes films de animación son sobre personajes no humanos, o muy simplificados o infantiles. La razón práctica es que al rodar acción real con actores podíamos crear en pocos días un material que en animación nos llevaría meses obtener. Pero no estábamos del todo convencidos de que esta técnica funcionara hasta que no hicimos nuestro tráiler inicial. Cuando vimos el resultado de la primera prueba tuvimos claro que teníamos algo". Una interacción de la interpretación de los actores representando famosos cuadros pintados por Van Gogh donde encontramos, entre otros, a Robert Gulaczyk como Vincent van Gogh; Douglas Booth como Armand Roulin, Jerome Flynn como Dr Gachet y Chris O'Dowd como Postman Roulin.
Unos personajes pintados que se integran perfectamente en cada cuadro de la narración logrando una gran belleza visual. Un amplio reparto ilustrado donde cada fotograma es un cuadro pintado a mano sobre óleo tal y como el propio Vincent lo hubiera hecho al que se le ha dado movimiento. Un enorme trabajo donde participaron una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh.
Encontramos 94 cuadros con un aspecto muy cercano al original y otros 31 con una representación parcial de algunas de las pinturas para situarnos en Francia en el verano del año 1891 cuando el joven Armand recibe una carta de su padre, el cartero Joseph Roulin, para entregarla en mano en Paris al hermano de su amigo Vincent Van Gogh. Pero en París no hay rastro de Theo, del que cuentan que murió poco tiempo después de que su hermano Vincent se quitara la vida. Un sorprendente viaje por los cuadros de Van Gogh recorriendo la misteriosa vida del pintor a través de las cartas que con frecuencia escribía a su hermano pequeño Theo. Unas cartas de las que se conservan más de seiscientas cartas de Vincent a Theo y cuarenta cartas de Theo a Vincent, y aunque la mayoría de ellas no están fechadas, los historiadores de arte han sido capaces de ordenar esta correspondencia, en gran parte, de manera cronológica. Las cartas salieron a luz en 1913, a través de la viuda de su hermano Theo, Johanna van Gogh-Bonger, quien explicó la "inquietud" que sentía al mostrar el drama de la vida del pintor y su preocupación para que no fuera motivo de eclipsar su obra artística. El mismo Van Gogh había sido un ávido lector de biografías de otros artistas para comprobar la consonancia del carácter con el arte de estos.
Un proyecto cinematográfico que, como explica Dorota Kobiela, "se ha hecho por puro amor. He trabajado en él 7 años a tiempo completo. Mi amor al trabajo de Van Gogh, a sus cartas y mi respeto a su lucha en la vida me ha sacado adelante estos 7 años. Y no era solo yo la que tenía que amar a Vincent Van Gogh. Nuestro equipo de artistas tenía que pintar los más de 65.000 fotogramas al óleo, tardando hasta 10 días en pintar un segundo de la película. Esto requiere mucho compromiso y mucho respeto por su trabajo. En tercer lugar, es una referencia a la forma de firmar las cartas que escribía a su hermano (siempre se despedía como "Your Loving Vincent"). Y lo más importante quizás: la cantidad de gente que hay en todo el mundo que verdaderamente aman a Vincent Van Gogh fue el motivo principal para arriesgarnos a hacer la primera película de la historia completamente pintada. Espero que esta película anime a la gente a descubrir más sobre este pintor, a leer sus cartas y ver sus cuadros en vivo. Espero también que de alguna manera sirva para dar a conocer a Van Gogh a más gente. Creo que se lo merecía. Y, sobre todo, me encantaría que todo el mundo pudiera ser capaz de amar a Van Gogh".
LOVING VINCET es una obra única en una equilibrada relación entre la narración que camina por el género policíaco y la animación. Una propuesta visual audaz que atrapa en sus 97 minutos de metraje en la tensión e intriga creada a través de sus cuadros en movimiento y la idea de que de que Van Gogh no se suicidó y que fue asesinado. Un guion estructurado en la utilización de flashbacks marcados en blanco y negro. Una decisión cromática que, como explica Dorota Kobiela, " había dos razones principales. En primer lugar, pensamos que sería demasiado para el espectador tener en pantalla el color intenso característico de las pinturas de Van Gogh a lo largo de 90 minutos. El hecho de estructurar la película con muchos flashbacks significaba que podíamos introducir estilos muy diferentes en cada una de las secciones. En segundo lugar, no queríamos introducir cuadros de Van Gogh que realmente no existían. La mayor parte de los flashbacks se refieren a momentos de su propia vida que no pintó por lo que si lo hacíamos en el mismo estilo estaríamos haciendo un ejercicio de imaginación de cómo sería si él hubiese pintado esas escenas, lo que creíamos que era alejarnos mucho de su trabajo. La razón por la que elegimos blanco y negro fue porque muchas de nuestras investigaciones nos llevaron a fuentes en blanco y negro como por ejemplo fotografías de la época, y toda esta documentación nos inspiró para los flashbacks".
Un hermoso y sentido homenaje al pintor Van Gogh cuyos cuadros, como afirma Hugh Welchman, “parecen estar hablando directamente a la gente, incluso a los que no les llama la atención la pintura. A los 28 años era una persona que había fracasado en muchos oficios y fue por esto por lo que empezó a pintar. Diez años después era un genio. En esos años se entregó a un duro trabajo para dejarnos un legado que ha emocionado y reconfortado a gente de todas las épocas. Nuestra sensación era que la historia de Van Gogh solamente se podía contar de una manera adecuada si estaba íntimamente conectada con sus pinturas y, en nuestro caso, usamos la pintura y sus cuadros para montar toda la estructura de la película".
LOVING VINCENT primer largometraje compuesto por pinturas animadas. El arte y la vida de Van Gogh en una experiencia en movimiento.

FICHA TÉCNICA
Loving Vincent - Título original: Loving Vincent - Dirección: Dorota Kobiela y Hugh Welchman - Año: 2017 - Duración: 95 min. - País: Polonia y Reino Unido - Reparto Animacion: Douglas Booth, Helen McCrory, Saoirse Ronan, Aidan Turner, Eleanor Tomlinson, Chris O'Dowd, Jerome Flynn, John Sessions, Holly Earl, Robert Gulaczyk, James Greene, Bill Thomas, Martin Herdman, Josh Burdett, Richard Banks y Shaun Newnham - Producción: Hugh Welchman, Ivan Mactaggart y Sean Bobbitt - Guion: Dorota Kobiela, Hugh Welchman, Jacek Dehnel - Música: Clint Mansell - Fotografía: Tristan Oliver - Montaje: Dorota Kobiela y Justyna Wierszynska - Estreno en España: 12 de enero 2018.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © María José S. Bermejo

Aristóteles anticipaba que “el todo es mayor que la suma de sus partes”. Unas palabras que a partir de teorías científicas emergentes en 1926 como la relatividad general o la mecánica cuántica y de preguntas que ellas dejan en suspenso tomaban forma a través del argumento filosófico denominado holístico que fundamentado en que cada sistema ya sea físico, biológico o económico y sus propiedades, deben ser estudiadas de forma general y no individual ya que de esta forma se puede tener un mayor entendimiento de su continuidad, sin tener que hacerlo por medio de las partes que lo integran. Lo holístico puede ajustarse a un concepto o punto de vista en donde se le da mayor importancia a una percepción más integral y completa en el estudio de una realidad. Defendiendo el sinergismo entre las partes y no la individualidad de cada una.
Mientras las ideas holísticas iban tomando forma el escritor y guionista radiofónico inglés e historiador galáctico DOUGLAS ADAMS escribía LA GUÍA DEL AUTOESTOPISTA GALÁCTICO (The Hitchhiker's Guide to the Galaxy), una hilarante novela radiofónica emitida por primera vez en 1978 por la cadena británica BBC Radio 4 que tras el rotundo éxito el autor la convirtió en libro, y más adelante participó en las adaptaciones de la misma a series televisivas y teatrales, un juego de ordenador, cómics,... y, por supuesto, las famosas toallas de baño que todo autoestopista galáctico debe llevar una. Sin olvidarnos de su adaptación a la gran pantalla del año 2015 dirigida por Garth Jennings interpretada por Martin Freeman. Una aventura espacial repleta de humor que dio paso a la serie de novelas dedicadas a DIRK GENTLY y su Agencia de Investigaciones Holísticas donde la trama surge de un universo en que todo está conectado. Dirk Gently es un detective muy peculiar. Sherlock Holmes afirmaba que cuando se ha eliminado lo imposible, lo que queda sea lo que sea es la verdad. Dirk Gently, sin embargo, jamás elimina nada, y menos que nada, lo imposible. Y para resolver sus casos prefiere recurrir a la física cuántica antes que a las huellas dactilares. Así pues, cuando le encargan la búsqueda de un gato perdido, Dirk acaba encontrando dos fantasmas y un Monje Eléctrico venido de otra dimensión, y descubre un terrible secreto que puede acarrear la destrucción de la humanidad. También averigua la imposible, improbable, increíble y aterradora razón por la que un experto en ordenadores tuvo un sofá atascado en la escalera de su casa durante tres semanas.
Un detective que se introduce en casos extraños capaz de desvelar las pistas sabiendo que en cada momento sucederá lo que ha de suceder. Pequeñas piezas que van formando un gran puzle. Una enorme cadena de acontecimientos que forman un todo donde hasta aquello que parece no tener lógica encaja en su desarrollo final. Tras su primera novela siguieron otras como IRAS CELESTIALES, una investigación de Dirk Gently donde la inexplicable explosión que devasta una terminal del aeropuerto de Heathrow tiene relación con el misterioso cliente que acude a Dirk para que le proteja de una siniestra criatura de dos metros diez, de grandes ojos verdes, peluda y con cuernos. Pero Dirk llega con retraso a la casa de su cliente, que en el ínterin ha sido decapitado. La explicación es muy sencilla: Thor, el Dios del Trueno, está en Londres para dirimir una terrible disputa con su padre Odín, dios supremo del Valhalla, que ha decidido vender su alma inmortal a un abogado y una agente de publicidad. Y en tanto el titánico duelo entre los dioses no se decide, todo Londres se estremece al compás de sus celestiales iras. En el curso de las investigaciones, Dirk tropieza con obstáculos, pero ello no le impide trasladarse finalmente al gran salón del Valhalla. Allí se celebra un sorprendente banquete, y tal vez Dirk consiga poner las cosas en claro y resolver los enigmas de este mundo y del otro.
Las aventuras de DIRK GENTLY y su método holístico llegaba a la televisión en el año 2016 coproducida entre BBC América y Netflix con un remake de una versión previa de la BBC británica del año 2010 que fue cancelada. En esta ocasión protagonizada por Samuel Barnett y Elijah Wood. Una primera temporada de 8 episodios, de unos 50 minutos de duración cada uno, donde el actor Samuel Barnett luce una estupenda cazadora amarilla interpretando a un detective privado con incontinencia verbal y un fuerte acento británico que resuelve casos sin ningún talento aparente metiendo en líos a todo aquel que se cruza en su camino y provocando situaciones rocambolescas a su alrededor. Una de esas pobres víctimas que acaba cayendo en su caótica investigación es Todd, un botones de hotel al que da vida el actor Elijah Wood. Una serie entretenida con Max Landis, guionista de AMERICAN ULTRA y CHRONICLE, como creador y productor ejecutivo de unas aventuras que lleva su sello y cuyos dos últimos episodios están dirigidos por el español Paco Cabezas, que ya dirigió a Barnett en PENNY DREADFUL y que trabajó con Landis en MR. RIGHT con notable resultado en ambas ocasiones.
DIRK GENTLY: Agencia de investigaciones holísticas, con unos guiones intencionadamente desconcertantes que cambian de tema de forma desenfrenada, nos introduce en aventuras entretenidas que se inician con su primer episodio titulado HORIZONTES donde Todd Brotzman se encuentra en el centro de una investigación paranormal que lo tiene todo: asesinatos, secuestros, mascotas... y el peculiar detective Dirk Gently; para continuar con el segundo episodio OBJETOS PERDIDOS donde tras seguir una pista sobre el paradero de Lydia, Todd y Dirk acaban en un puente con un perro para un intercambio de prisioneros. Como cabría esperar, sale mal; después vinieron AFICIONADOS A LAS PAREDES SIN ESCRÚPULOS donde Dirk y Farah descubren una pista clave tras una puerta secreta en la mansión Webb. Amanda intenta irse de la casa y el sorprendente pasado de Rimmer sale a la luz;  LA TRITURADORA y su laberinto subterráneo electrificado descubierto por Todd y Dirk mientras Farah rescata a Amanda de un agente del FBI que no es lo que parece; MUY ERECTUS con su tesoro desenterrado por Dirk y Todd mientras pierden un gatito y Amanda se une a Los 3 Pendencieros y Zimmerfield y Estevez persiguen a Rimmer; SOLUCIONARLO TODO con el descubrimiento de la confesión de Todd y Bart localizando a su objetivo. Mientras Estevez va atando cabos, Dirk y Todd recurren a un método extraordinario para eludir a Rimmer; ARMA ESCONDIDA donde el tiempo pasa y Dirk y Todd retroceden una semana en el tiempo. Tras descubrir la verdadera naturaleza del invento de Webb, entran en un bucle temporal; Para finalizar con el octavo episodio DOS TÍOS CUERDOS QUE HACEN COSAS NORMALES donde Todd le explica a Estevez lo que está ocurriendo. Rimmer pide refuerzos, Lydia vuelve a su antiguo ser y Bart y Ken salvan la situación inesperadamente.
Ocho episodios mágicos y desenfrenados que dan paso a la segunda temporada emitida en el canal Netflix en el mes de enero de 2018 donde el poder de la conciencia, la ciencia ficción y la fantasía se dan cita en diez episodios donde la acción da unos cuantos pasos aleatorios hacia el descubrimiento de la verdad. Un viaje a las tierras de Wendimoor, a sus misterios e incertidumbres.
Las aventuras de DIRK GENTLY: Agencia de Investigaciones Holísticas al encuentro con la interconexión de todas las cosas continúa en televisión y en la serie de libros creados por Douglas Adams. Un placer para la fantasía entre el genio detectivesco holístico de Dirk Gently y la búsqueda no siempre lograda de la cordura de Todd. Con el toque humorístico y de ciencia ficción de Douglas Adams con la acertada puesta en escena de Max Landis guionista y productor del invento televisivo. Como afirma el director Paco Cabezas "Dirk Gently es lo más loco, creativo y divertido que he rodado nunca.". Una serie a seguir en cada episodio, escenas o situaciones aparentemente absurdas. Un universo exagerado, colorista en un ritmo acelerado al compás de su protagonista. Algo extraño está pasando y Dirk Gently con su Agencia holística y Todd, su inseparable compañero, tienen que descubrirlo. Todo está conectado.

FICHA TÉCNICA
Dirk Gently: Agencia de investigaciones holísticas -Título original: Dirk Gently's Holistic Detective Agency - Creador: Max Landis - Distribución: Netflix - Cadena original: BBC America - Dirección: Paco Cabezas, Dean Parisot, Michael Patrick Jann, Tamra Davis, Richard Laxton, Douglas Mackinnon, Alrick Riley, Wayne Yip - Reparto: Samuel Barnett, Elijah Wood, Hannah Marks, Fiona Dourif, Jade Eshete, Mpho Koaho, Michael Eklund, Dustin Milligan, Miguel Sandoval, Neil Brown Jr., Richard Schiff, Aaron Douglas - Fotografía: John Pardue y Sammy Inayeh - Duración episodios: 45 minutos - Inicio emisión: 2017 - Temporadas: 2 - Episodios: 18 - Guion: Max Landis y Andrew Black - Basado en los libros de Dirk Gently escritos por Douglas Adams - Productores: Andrew Black - Productores ejecutivos: Robert C. Cooper, Arvind Ethan David y Max Landis.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © María José S. Bermejo

Recordado por sus célebres engaños en el mundo del entretenimiento y por haber fundado el Barnum & Bailey Circus, que posteriormente se fusionó con el Ringling Brothers Circus para conformar el Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus, el filántropo Phineas Taylor Barnum, quien en alguna ocasión afirmó de sí mismo "soy un showman por vocación... y el dinero no me convertirá en nada mejor", es el personaje protagonista del filme EL GRAN SHOWMAN, ópera prima del director australiano Michael Gracey quien considera a Barnum como "un fundador de nuestra época. Un pionero de los visionarios y empresarios actuales que han revolucionado la vida social; el Steve Jobs o Jay-Z de su época. Cuando el público acudía a experimentar un espectáculo de P.T. Barnum, era totalmente transportado a algo fuera de lo común, e intentamos hacer lo mismo en esta película de una forma actual". Barnum fue el primero en llevar el entretenimiento a las masas en unos años que se consideraba el teatro y otras formas artísticas únicamente para la clase alta.
EL GRAN SHOWMAN, que llega a la gran pantalla en 2017, nos envuelve en una magnífica oda onírica protagonizada por un excelente Hugh Jackman, que regresa al género musical cinco años después de lograr la nominación al Oscar con LOS MISERABLES (2012), quien afirma que su personaje "pensó que la vida debería consistir en diversión, imaginación y trabajo duro. En 1850, Estados Unidos no era como lo conocemos hoy. Estabas limitado por la familia en la que nacías y tu clase social. En aquella época, la idea del entretenimiento por mera diversión estaba casi al límite de lo maligno. Sin embargo, esto no hizo más que alimentar el deseo de Barnum de romper con esta clase de existencia tediosa y monótona. Se propuso vivir la vida de sus sueños. Y eso es lo que hizo".
Nacido en Bethel, Connecticut, en 1810, el verdadero P.T. Barnum era tan complejo como su época, lleno de impulsos contradictorios, humanos y oportunistas. Poseía un talento natural para la publicidad y la promoción y a los 12 años ya estaba vendiendo billetes de lotería. Más tarde, se ganó la mano de su acaudalada mujer gracias a su genuina aptitud llamativa. Tras probar suerte en varios trabajos, Barnum terminó en lo que él llamó "el showbusiness", donde su imaginación no tendría límites. Pronto se reveló a sí mismo como un genio en una empresa que llegaría a definir a Estados Unidos: generar emoción y alboroto, atendiendo con inteligencia el gusto del público por lo espectacular, lo salvaje y lo extravagante.
Al trasladarse a Nueva York, se convirtió en una de las figuras florecientes más famosas de la ciudad. Una vez allí, abrió lo que se convertiría en un destino que causó furor: el Museo Americano Barnum (Barnum’s American Museum) en Broadway, atiborrado de maquetas, instrumentos científicos, artefactos extraños, una colección de animales exóticos, un acuario marino, representaciones teatrales y una serie de "atracciones" vivas con sus respectivas historias de cuento de hadas, entre los que se incluían el diminuto general Tom Thumb, los gemelos siameses Chang y Eng, gigantes, mujeres barbudas y muchos más. En poco tiempo, el museo dio paso a giras mundiales que incluían a los artistas más aclamados. Tras ello, Barnum creó un frenesí público por la desconocida hasta aquel entonces cantante de la Ópera Sueca, Jenny Lind, con un creciente alboroto e histeria que rivaliza con aquella que sufren las estrellas de rock un siglo después. Cuando el museo de Barnum fue destruido por un incendio, se le ocurrió un nuevo concepto: el espectáculo de carpa conocido como "el mejor espectáculo del mundo", una idea que perduraría durante mucho tiempo e inspiraría el ascenso de Estados Unidos como la capital del entretenimiento mundial.
Pasen y vean... y entren en la fascinante imaginación de un hombre que pretendió mostrar que la vida misma puede ser el espectáculo más emocionante de todos. Basada en la leyenda y las ambiciones del empresario de la cultura popular estadounidense, P.T. Barnum, llega una inspiradora historia que cuenta el camino de la pobreza a la riqueza de un intrépido soñador surgido de la nada para demostrar que todo lo que puedas imaginar es posible y que todos, sin importar cuán invisibles sean, tienen una formidable historia digna de un espectáculo de categoría mundial.
Aunque gran parte de EL GRAN SHOWMAN surge de la vida de P.T Barnum en la película encontramos dos personajes ficticios que aportan nuevos puntos de vista: Phillip Carlyle, interpretado por Zac Efron, el sofisticado hombre del teatro que abandona su lujosa vida para unirse al espectáculo, convirtiéndose en el maestro de ceremonias aprendiz de Barnum; y Anne Wheeler, interpretada por Zendaya, la audaz trapecista de cabello rosa que rompe los tabúes y ante la que Carlyle cae rendido.
EL GRAN SHOWMAN, escapándose de la biografía, nos brinda un entretenido musical mirando a los clásicos, reinterpretando el género en el mundo de Rihanna y Beyoncé siguiendo la estela de MOULIN ROUGE (2001), el arrebatador y magistral musical ambientado en el París bohemio de 1900 dirigido por Baz Luhrmann aportando un despliegue asombroso de imágenes a ritmo de videoclip protagonizado por Nicole Kidman, Ewan McGregor. En esta ocasión EL GRAN SHOWMAN nos ofrece un gran espectáculo visual donde el cineasta Michael Gracey trabajó con múltiples cámaras digitales de 65 mm, empleando, como describe, "los últimos y mayores sensores. Son nuevos y están en desarrollo y las imágenes son extraordinarias no solo para planos generales, épicos, que ahora gozan de gran detalle y color incluso en sombra, sino también para primeros planos, y podíamos rodarlos con esa naturalidad de los retratos de busto. Los planos anchos te permiten ver el baile en todo su esplendor y los cortos, la emoción. También jugamos con la profundidad y con los filtros con uno que llamo el Glimmerglass. La digital puede ser muy nítida, pero no es lo que buscábamos en esta ocasión. Queríamos que la luz brotara cual flor, con un toque romántico, casi como un barniz". Solidez en imágenes acompañada de la energía de Hugh Jackman y con buenos números musicales con canciones de los letristas Benj Pasek y Justin Paul creadores de LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (2017). Una puesta en escena musical donde se inicia con una canción de apertura que enmarca la película, que Paul explica "Michael quería que el público tuviera la sensación de estar en aquel momento en el que esperas que salga al escenario alguien impresionante, alguien como Kanye West o Steve Jobs, un empresario que despierte gran expectación. Escribimos seis versiones diferentes y ninguna funcionó para Michael. Después intentamos escribir algo nuevo con él en la sala y estábamos dándonos de bruces contra la pared cuando dijo: 'dejadme tocar algo que se me ocurrió antes de esta sesión'. Lo que tocó fue solamente un ritmo, pero a partir de él comenzamos a escribir la melodía y la letra a su alrededor, haciendo una especie de 'Señoras y caballeros, este es el momento...' y todo fluyó. Barnum está en el apogeo de su fuerza para hacer al público preguntarse: ¿qué está por suceder? Así que estás expectante y después la bola de fuego explota y todo cobra vida".
Una paleta musical completa con la banda sonora del compositor John Debney y un hermoso conjunto de melodías que engarzan perfectamente con la coreografía de la representación alegremente disparatada que no llega a profundizar en sus personajes, pero gracias al espíritu de Broadway y su puesta en escena extravagante y mágica consigue su propósito.
EL GRAN SHOWMAN el significado de luchar por los sueños a golpe de canción. Un homenaje al circo y el mundo del espectáculo.

FICHA TÉCNICA
El Gran Showman - Título original: The Greatest Showman - Dirección: Michael Gracey - Año: 2017 - Duración: 105 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron, Zendaya, Rebecca Ferguson, Diahann Carroll, Fredric Lehne, Yahya Abdul-Mateen II, Isaac Eshete, Katrina E. Perkins, John Druzba, Shawn Contois, Ethan Coskay y Jamie Jackson - Guion: Jenny Bicks, Bill Condon (Historia: Jenny Bicks) - Música: Benj Pasek y Justin Paul - Banda sonora: John Debney - Producción: Nathan Crowley - Vestuario: Ellen Mirojnik - Editor:  Joe Hutshing - Fotografía: Seamus McGarvey - Estreno en España: 29 de diciembre 2017.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

En el libro THE STORY OF FERDINAND original del escritor Munro Leaf y del ilustrador Robert Lawson publicado en el año 1936 conocíamos el cuento de un toro gigantesco y su gran humanidad llamado FERDINAND que se niega a embestir, frente a la bestialidad de la humanidad que trata por todos los medios de hacer que sea feroz y combata en el ruedo, siendo su mejor deseo el descansar bajo su árbol favorito oliendo las flores y siendo muy feliz. Un afable y encantador toro que con su mensaje de amor y aceptación logró conquistar el corazón de cantidad de lectores. En su primera tirada, el libro vendió 14.000 ejemplares a un dólar cada unidad. Al año siguiente, las ventas subieron hasta los 68.000, y en 1938 el libro estaba vendiendo 3.000 ejemplares por semana logrando superar en ese año las ventas de la novela LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ escrita por Margaret Mitchell, convirtiéndose en el número uno en ventas en EE. UU. siendo traducido a más de 60 idiomas y no ser descatalogado.
Una historia que Disney transformó en un cortometraje de 7 minutos de dibujos animados titulado FERDINANDO EL TORO estrenado el 25 de noviembre de 1938 por RKO Radio Pictures dirigido por Dick Rickard. Esta historia del toro que no quería ser lidiado consiguió llegar a los espectadores logrando el Premio de la Academia de Hollywood de 1938 al Mejor Dibujo Animado Corto con Argumento.
Una entrañable y pacifista historia que regresa en el año 2017 con el título de FERDINAND. El duodécimo largometraje de animación de Blue Sky Studios, dirigido por Carlos Saldanha, responsable de películas como RIO (2011), ICE AGE 3: EL ORIGEN DE LOS DINOSAURIOS (2009) o ROBOTS (2005).
El plan de llevar el cuento de FERDINAND a la gran pantalla comenzó hace más de seis años cuando Saldanha seguía trabajando en RIO 2 (2014), quien recuerda "me entusiasmé mucho al enterarme de que Fox y Blue Sky estaban pensando en desarrollar una película basada en el libro. Yo había leído el libro y quedé cautivado por el relato y por su maravilloso mensaje de aceptación y diversidad. Me pareció que éste era el momento adecuado para tomar este encantador librito y convertirlo en una película familiar para el público de hoy en día".
Un cuento breve que en esta ocasión se convierte en una colorida historia animada de 106 minutos de duración donde el mensaje de amistad y aceptación del libro original se mantiene ampliando su argumento e introduciendo nuevos personajes en la odisea del toro protagonista. Como explica el productor Bruce Anderson "el cuento tiene un principio y un final muy sólidos, así que tomamos tan firmes componentes y creamos una parte central que realmente nos ayudó a encariñarnos con Ferdinand. Pudimos dedicarle más tiempo y experimentar su mundo de una forma más contemporánea y comprensible, a medida que él va creciendo. También gozamos de la libertad de introducir a todos estos personajes, pintorescos y memorables, que no estaban en el libro. Sin embargo, ellos también tenían que encajar en este mundo y reflejar el mensaje y las sensibilidades de la obra".
FERDINAND es un toro nada guerrero. Él no es como los demás toros, que se pasan el día rebufando y corneándose los unos con los otros. Ferdinand prefiere oler las flores, sentado debajo de una encina, en lugar de competir en fiereza con los otros toros. No es cobarde, simplemente es pacifista, y debido a su fascinación por la naturaleza, se niega a luchar. Como vive en España, allí, el sueño de todo toro es que le dejen participar en las corridas de Madrid. Pero esto no le interesa en absoluto a Ferdinand. Claro que todo cambiará el día en que se lo lleven a torear, cuando le capturen por ser el toro más grande, fuerte y rápido de toda la ganadería, y le obliguen a entrenar para combatir. Decidido a regresar con su familia, Ferdinand se unirá a un grupo de inadaptados con los que vivirá una gran aventura. ¿Conseguirá Ferdinand cambiar su destino? Como afirma Bruce Anderson, "siempre me tocó la fibra sensible porque defiende la no conformidad. Nos muestra que el mundo está hecho de toda clase de personas diferentes y que esta diversidad es lo que nos hace mejores. Cuando uno es un niño y no es tan competitivo como sus compañeros de clase, el mensaje de este libro puede ayudarle de verdad a hallar su camino".
FERDINAND se sumerge en un bello decorado con una animación meticulosa desde cada brizna de hierba del campo, a la textura de los trajes, llenos de vida, pasando por el juego de luces y sombras del paisaje de Andalucía. Colorido panorama de la ciudad de Ronda junto a un logrado conjunto de elementos artísticos que se combinan armoniosamente para hacer llegar el tierno mensaje de la película. Un sur de España que con su flora y su fauna desempeñan un papel importante a la hora de inspirar el principio de diseño de la película. Como explica el Diseñador de Producción Thomas Cardone "las suaves colinas, los olivos y todas esas amplias curvas guardaban armonía con las suaves curvas de Ferdinand, cualquier cosa que se le opone es más angular y más vertical (como las estructuras creadas por el hombre). Lo mismo vale para su adversario. Los humanos son flacos y más altos de lo que serían en la vida real, y eso dictó la altura de los edificios, las puertas, los coches... de todo cuanto les rodea. Estas dos ideas, armonía y conflicto, tuvieron una auténtica influencia sobre la forma y el estilo totales de la película".
Junto a Ferdinand el enorme pacífico toro, fuerte, bondadoso y feliz encontramos a unos personajes recurrentes y divertidos donde destaca LUPE la desternillante cabra que es profesora y amiga de Ferdinand, come basura, duerme en un cubo y eso no le causa ningún problema. Es simplemente feliz con tal de que nadie le dé una patada en la cara. Si eso no sucede, está pasando un buen día; ANGUS el toro de las Tierras Altas de Escocia, uno de esos toros que cree que su destino en la vida es luchar. Cuando Ferdinand se incorpora al grupo de la Casa del Toro, todos se quedan muy confusos porque son verdaderamente incapaces de entender a un toro pacifista. Lentamente, Ferdinand les hace ver el mundo de modo diferente, así que la película muestra el cambio que sufren gracias al toro más grande y más bueno de todos ellos; BONES uno de los toros amigos de Ferdinand y el toro más esquelético que jamás hayan visto. Siempre está siendo arrojado de aquí para allá y viéndose atrapado y estrujado en algún lugar. Bones es el primer personaje al que Ferdinand inspira y cambia. Él se da cuenta de que necesitan salir del rancho. En consecuencia, primero entablan amistad y, después, todos se les unen y se dan cuenta de que tienen que huir; GUAPO un apuesto y nervioso toro que se pone ligeramente nervioso en algunos de los momentos de más tensión. Sólo porque un toro parezca ser un gran luchador no significa que sea eso lo que él quiera ser. Tal es el caso de Ferdinand, pero también eso es más o menos cierto en él; y UNA la luchadora eriza que supervisa a sus dos hermanos, Dos y Cuatro (nunca hablan de Tres) y que ayuda a Ferdinand a huir del rancho de toros. Una gran peleona que no piensa realmente en lo que esté diciendo o haciendo, y de primeras se lanza a lo que sea.
Personajes, colores y diseños dinámicos para una narración repleta de corazón, comedia, suspense y acción acompañado de la banda sonora compuesta por John Powell y la canción HOME del cantautor Nick Jonas que se interpreta en la película y se repite durante los títulos de crédito del final y engloba el tema de aceptación de la película. Como señala Jonas "yo compuse esta canción con mis buenos amigos Justin Tranter y Nick Monson y la creamos pensando en lo que supone sentirse aceptado, sentirse amado y también pensando en el lugar que es el nuestro, donde quiera que esté. Para mí, es mi hogar, es mi familia, la gente más próxima a mí y las experiencias que hemos compartido".
FERDINAND con su narración sincera y divertida fiel a la fábula original con gags entretenidos aportando una favorable dosis de humor y un adecuado trabajo visual en un logrado último tercio de la película consigue su propósito de convertir un libro breve en un largometraje de buena calidad para todas las edades con su mensaje eterno de no olvidar los sueños y quien es uno verdaderamente.
FERDINAND el pacífico toro que lucha contra su destino en Ronda. No hacer lo que todos esperan que uno haga, y elegir el propio camino.

FICHA TÉCNICA
Ferdinand - Dirección: Carlos Saldanha - Año: 2017 - Duración: 106 min. - País: Estados Unidos - Voces original: John Cena, David Tennant, Anthony Anderson, Gabriel Iglesias, Kate McKinnon, Boris Kodjoe, Miguel Ángel Silvestre, Raúl Esparza, Gina Rodriguez, Bobby Cannavale, Sally Phillips, Flula Borg - Guion: Erica Rivinoja, Ian Southwood, J. David Stem y David N. Weiss (Basada en The Story of Ferdinand de Munro Leaf - Producción: Bruce Anderson, Lori Forte, Paul Feig y John Davis - Música: John Powell - Fotografía: Animation, Renato Falcão - Estreno en España: 22 de diciembre 2017.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
Escrito por: © María José S. Bermejo

Alexander Payne vuelve a ofrecernos un film dentro de su planteamiento ácido y su cinismo humanista, esta vez desde una agridulce fábula de ciencia-ficción poniendo de manifiesto el egoísmo crónico de las sociedades capitalistas y sus interrogantes sin resolver a nivel económico, social, democrático o medioambiental. Una singular cinta que, como explica Payne, "toma un concepto extravagante y lo lleva a un territorio que no es estrictamente cómico ni dramático, y tampoco se ajusta a los patrones de la ciencia-ficción clásica".
El responsable de las emblemáticas 'Entre copas' (2004) y 'Los descendientes' (2011), junto a su coguionista habitual, Jim Taylor, en UNA VIDA A LO GRANDE, encargada de inaugurar el 74º Festival Internacional de Cine de Venecia, que llega a la gran pantalla en 2017, propone una fantasía distópica, donde utiliza la lógica de Ray Bradbury, a quien, expone Payne, "le preguntaron una vez por qué sólo escribía historias de ciencia-ficción y su respuesta fue: ¿No sabéis que es el único género verdaderamente realista?".
Las desigualdades sociales, el calentamiento global, el consumismo, ... todo un bombardeo de mensajes angustiosamente catastróficos que bajo el humor, ingenio y emotividad de Payne calan en el espectador que se hace partícipe de la problemática actual que genera el ser humano.
UNA VIDA A LO GRANDE imagina lo que podría ocurrir si, como solución a la superpoblación, unos científicos noruegos descubriesen cómo reducir a los seres humanos para que midiesen 12 centímetros y medio y propusiesen un plazo de 200 años para realizar la transición mundial al tamaño reducido.
No pasaría mucho tiempo antes de que se descubriese que el dinero da mucho más de sí en un mundo miniaturizado. Ante la promesa de una vida mejor, un hombre corriente, Paul Safranek, decide, junto su esposa Audrey, dejar atrás sus agobiantes vidas en Omaha, para reducirse de tamaño y trasladarse a una nueva comunidad miniaturizada, decisión que desencadenará unas aventuras que cambiarán su vida.
Una de las bazas de la película es un reparto bien elegido y dirigido por Payne, en el que acompañan a Matt Damon dando vida a Paul Safranek y Kristen Wiig
(Marte, La boda de mi mejor amiga) como Audrey Safranek, entre otros, Christoph Waltz (Malditos bastardos, Django desencadenado), Hong Chau (Puro vicio, Big Little Lies), Udo Kier (Melancolía), Jason Sudeikis (Colossal), Laura Dern (Alma salvaje, El precio de la ambición), Neil Patrick Harris (Perdida) y Rolf Lassgård (Un hombre llamado Ove).
UNA VIDA A LO GRANDE gira alrededor de Paul Safranek, una interpretación hecha a medida para Matt Damon según Payne, quien afirma que "Damon es la única estrella de cine que, en el Hollywood actual, puede interpretar a un hombre de la calle. Es lo más parecido que tenemos a Jack Lemmon o James Stewart, alguien que podría ser tu vecino".
Aunque Matt Damon (Boston, 1970) es un versátil actor que consigue dar credibilidad a sus personajes, que ha trabajado bajo la dirección de Francis Ford Coppola, Gus Van Sant o Clint Eastwood, al que hemos podido ver, entre otros, en el papel de cantante gay en 'Behind the Candelabra' (Steven Soderbergh, 2013), de tipo gordo en '¡El soplón!' (S. Soderbergh, 2009), de astronauta ('Marte', de Ridley Scott), de guerrero ('La Gran Muralla', de Zhang Yimou), o Jason Bourne por cuarta vez ('Jason Bourne', de Paul Greengrass), reconoce que se siente cómodo encarnando al hombre común, como en 'Suburbicon' (2017) de George Clooney, donde interpreta a un padre de familia menos modélico de lo que podría parecer, o su personaje de UNA VIDA A LO GRANDE, comentando que "inicialmente, Paul Giamatti iba a interpretar mi personaje, y me llena de orgullo sentirme parte de esa estirpe de actores comprometidos con la complejidad del ser humano. Tengo la suerte de parecer un tipo corriente. Cuando veo a esas estrellas de Hollywood deslumbrantemente atractivos o atractivas, pienso en lo complicado que debe ser para ellos conseguir papeles de gente normal".
Tras 'Nebraska' (2013) Alexander Payne vuelve al medio oeste, haciendo de nuevo saltar las alarmas sobre las aspiraciones actuales de la sociedad. Revelando engaños en un falso paraíso con dos lados que terminan siendo dañinos y tóxicos. En uno están las instalaciones donde los participantes deciden someterse voluntariamente a la reducción de tamaño para vivir una vida de lujo en suntuosas comunidades como Leisureland, en otro el edificio que prescinde de esa opción para los menos afortunados: el muro.
En ambas esferas se explota a los habitantes en diversos grados. Para aquellos que pueden permitirse la buena vida a pequeña escala, se mantienen en un bucle infocomercial interminable. A los descartados del mundo a escala real por los tiranos y los gobiernos que desean librarse de los inmigrantes pobres, los disidentes y los criminales, les espera el castigo del muro que se erige como una barrera tras la que se oculta el secreto sucio de aquellos reducidos de tamaño en contra de su voluntad, que después han sido abandonados allí.
Una película que, para Damon, que se mete en la piel de un hombre dispuesto a miniaturizarse para cumplir sus sueños de prosperidad, "aborda un interrogante fundamental: ¿por qué dejamos que el sistema nos pisotee como si no fuésemos humanos, como si no fuésemos lo suficientemente grandes? En la realidad en miniatura del film, encontramos todos los conflictos del mundo normal: las tensiones de clase, los problemas de pareja, los prejuicios raciales
'Una vida a lo grande' nos pone ante un espejo deformante y nos cuestiona sobre la esencia de nuestra humanidad. Dentro de 40 años, el humanismo de la película seguirá vigente. La toma de conciencia respecto al maltrato al medioambiente es algo muy actual. Nunca antes habíamos sido tan conscientes de las consecuencias de nuestros actos. Tenemos la responsabilidad de ser buenos protectores de aquello que nos cedieron las generaciones pasadas, y que nosotros debemos ceder a nuestros hijos. Los personajes de 'Una vida a lo grande' desean liberarse de esa responsabilidad. Se miniaturizan para poder seguir consumiendo y generar menos residuos. Es una manera de esquivar el problema un poco triste".
El Director de Fotografía Phedon Papamichael (Entre Copas, Los descendientes, Nebraska), el supervisor de efectos visuales James Price, la diseñadora de producción Stefania Cella (Black Mass: estrictamente criminal, La gran belleza), la Diseñadora de Vestuario Wendy Chuck (A propósito de Schmidt, Nebraska), y el director de montaje Kevin Tent (Los descendientes, Nebraska) logran unos efectos realistas, a pesar del marcado carácter de farsa de la película, utilizando tomas originales como base del trabajo que posteriormente se manipulan digitalmente, usando desde técnicas clásicas a tecnología de impresión en 3-D en los montajes dando como resultado unos cuidados efectos especiales que no invaden el desarrollo argumental.
La filosofía foto-realista del filme trasciende a la evolución emocional del decorado con la luz y los colores entretejiendo las escenas y se acentúa en la creación de los platós, como la pequeña ciudad de Leisureland que necesitó un enorme estudio de rodaje en los Pinewood Studios en Toronto. Unos decorados que, como señala Cella, "se supone que son a escala 14 a 1, para que personas normales parezcan personas de 12 centímetros, así que necesitábamos uno de los platós más grandes que existen en Norte América. Estaba emocionada ante la perspectiva de trabajar en una película de esta escala, porque lo abarca todo, desde el medio oeste de los Estados Unidos hasta Noruega. Hay aviones, autobuses y trenes, de todo. Pero no deja de ser la historia de un hombre, una historia de compasión. Para mí, eso sigue siendo aún más importante que el aspecto estético de los grandes elementos de atrezo."
UNA VIDA A LO GRANDE parábola distópica donde Alexander Payne abraza el universo fantástico para poner nuevamente en tela de juicio las miserias de la sociedad actual.

FICHA TÉCNICA
Una vida a lo grande - Título original: Downsizing - Año: 2017 - Duración135 min. - País: Estados Unidos - Dirección: Alexander Payne - Guion: Alexander Payne, Jim Taylor - Música: Rolfe Kent - Fotografía: Phedon Papamichael - Reparto: Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Kristen Wiig, Jason Sudeikis,  Udo Kier, Neil Patrick Harris, Laura Dern, Margo Martindale, Kerri Kenney, Maribeth Monroe, Niecy Nash, Donna Lynne Champlin, Joaquim de Almeida, Rolf Lassgård, Ingjerd Egeberg, Søren Pilmark, Jayne Houdyshell, James Van Der Beek, Patrick Gallagher, Kevin Kunkel, Kristen Thomson, Brendan Beiser, Don Lake, Mary Kay Place, Juan Carlos Velis, Veena Sood, Jeff Clarke, Pepe Serna - Productor: Jim Burke, Megan Ellison, Mark Johnson, Alexander Payne y Jim Taylor - Montaje: Kevin Tent - Género: Ciencia ficción, Comedia dramática - Estreno en  España: 22 de diciembre de 2017.   


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © María José S. Bermejo

El juego que encontraron bajo el árbol se parecía a muchos otros. Pero estaban aburridos e inquietos, en busca de algo interesante que hacer y pensaron que podían intentarlo con ese nuevo juego. No sabían, cuando vieron el simple tablero, que se precipitarían a la aventura más increíble de su vida. Y es que los juegos de mesa en el cine se convierten en una gran puerta a la aventura como así sucede en JUMANJI (1995). 
Nos encontramos en Bradford, Nueva Inglaterra, asistiendo al descubrimiento de dos niños de algo que cambiará su vida. Se trata de un antiguo tablero de juego llamado Jumanji. Al tirar los dados liberan a Alan Parrish, que 26 años atrás había quedado atrapado en el juego cuando comenzó la partida con su amiga Sarah. Juntos deberán finalizar el juego, pero cada vez que lanzan los dados una fuerza de la naturaleza se desata. Los cuatro jugadores pronto aprenderán las duras reglas de Jumanji: acábalo o él acabará contigo. Esta es la sinopsis del filme JUMANJI dirigido en el año 1995 por Joe Johnston y protagonizado por Robin Williams. Un relato de fantasía basado en el cuento infantil escrito e ilustrado por Chris van Allsburg (Polar Expres - 2004). Una película que es recordada por sus imágenes sorprendentes como la estampida de animales salvajes atravesando las paredes de la mansión o el acertado homenaje que su director Joe Johnston realiza a Frank Capra y su filme ¡QUÉ BELLO ES VIVIR! (1946) cuando Robin Williams contempla que hubiera pasado en su ausencia.
JUMANJI es un filme repleto de imaginación, un universo de situaciones extremas que sin ser una gran película consiguió su objetivo: divertir a todos los públicos. Con un aire de cine B su universo surrealista dio origen a una serie de dibujos animados en 1996 con cuarenta episodios de 20 minutos de duración cada uno emitidos en la cadena de televisión Nickelodeon e incluso se llegó a pensar en realizar la segunda parte dirigida por el creador de los F/X de esta primera parte, Ken Ralston, habitual de la Industrial Light and Magic, pero el proyecto fue congelado por problemas de contrato con las compañías de publicidad.
Una mezcla entretenida de comedia familiar y cine de aventuras que en el año 2017 regresa recuperando el espíritu en la secuela titulada JUMANJI: BIENVENIDOS A LA JUNGLA dirigida por Jake Kasdan y protagonizada por Dwayne "The Rock" Johnson, Jack Black, Kevin Hart, Karen Gillan, Nick Jonas y Bobby Cannavale. Un reparto al servicio de los efectos especiales. Hace más de veinte años que nadie juega con Jumanji en la gran pantalla y en esta nueva aventura ha decidido reinventarse de cara a las nuevas generaciones en forma de un viejo juego de una videoconsola. Como explica Dwayne Johnson "el espíritu del original JUMANJI fluye a través de esta continuación, queríamos volver a traer ese espíritu de asombro, de superación de miedos y de descubrimiento de uno mismo. De vez en cuando aparece una película que directamente sabes que tiene una calidad especial. Todos tenemos gran aprecio y respeto por la cinta original. Siempre he sido un gran seguidor de Robin Williams y de sus interpretaciones, y esa película significa mucho para mi familia y para mí. Así que, mientras en la primera la jungla aparecía en nuestro mundo, en esta nosotros vamos a Jumanji".
Los encargados de llevar a cabo esta vuelta completa al planteamiento anticipando una nueva dirección para Jumanji fueron el escritor Chris McKenna y el productor Matt Tolmach para quien "no sólo se trataba de eso, el juego evoluciona, de un juego de mesa a un videojuego, y hará lo que sea para que lo jueguen. Los videojuegos encajan perfectamente con el mundo de Jumanji: dejas tu mundo atrás para convertirte en alguien distinto, un aventurero, un doctor o un héroe. Esta es una forma genial de explorar temas clásicos atemporales como el de aceptar quién eres al mismo tiempo que te retas a hacer cosas que nunca pensabas posibles. Son obligados a ser otra persona completamente distinta de quien piensan que son, sólo que podrían no ser tan distintos como piensan. No es una coincidencia que se conviertan en personajes aparentemente tan distintos a ellos, probablemente necesiten emprender esta aventura para descubrir de lo que son capaces, de lo que siempre llevaron en su interior".
Una de las claves para conseguirlo fue la de aproximarse a la nueva película como una continuación, otra aventura JUMANJI dentro del mismo universo que el de la primera. Así en BIENVENIDOS A LA JUNGLA cuatro compañeros de instituto descubren un vieja videoconsola con un juego del que nunca han oído hablar, JUMANJI, y se sienten inmediatamente atraídos por la ambientación selvática del juego, para entonces verse transformados en los avatares que han elegido: El jugón Spencer se convierte en un musculoso aventurero, interpretado por Dwayne Johnson, la estrella de fútbol americano Fridge, protagonizado por Kevin Hart, quien pierde (en palabras propias) "los 60 cm superiores de su cuerpo" y se convierte en un genio, la chica popular Bethany, interpretado por Jack Black, se convierte en un profesor de mediana edad y la tímida y apocada Martha, protagonizada por Karen Gillan, se convierte en una aguerrida luchadora. Por si eso fuera poco, se dan cuenta de que no solo están jugando a Jumanji, sino que también tendrán que sobrevivir en él. Para superar el juego y regresar al mundo real, deberán embarcarse en la aventura más peligrosa de sus vidas, descubrir qué fue lo que dejó Alan Parrish 20 años antes y cambiar la forma que tienen de verse a sí mismos, o quedarán atrapados en el juego para siempre.
JUMANJI: BIENVENIDOS A LA JUNGLA retoma el original jugando para toda la familia en una entretenida comedia de aventuras sin el trasfondo oscuro de la entrega anterior. Con un adecuado cuarteto protagonista que potencia la acción y la aventura complementando la parte cómica y centrándose en los poderes y debilidades de los personajes de videojuego. Acompañado de unos buenos efectos especiales destacando al villano siniestro Van Pelt que controla a los animales a su alrededor. Como explica el supervisor de efectos visuales Jerome Chen "en realidad está hecho de alimañas y roedores, los animales más asquerosos que te puedas imaginar viven en su cuerpo, incluso usa animales para castigar a la gente que le falla. Hay una escena donde uno de los dragoons deja que los protagonistas se escapen y Van Pelt le castiga haciendo que un escorpión salga de su boca"; sin olvidarnos de los animales fotorrealistas en un atrayente entorno donde cada animal puede ser singular y sorprendente. Encontramos animales de todos los tamaños, enormes mosquitos, rinocerontes, hipopótamos, serpientes y jaguares, todos bajo la maldición de la Joya de Jumanji, un enorme hábitat donde hasta el más benigno de los animales puede suponer una amenaza. 
JUMANJI: BIENVENIDOS A LA JUNGLA del juego de mesa al videojuego, una huida hacia delante superando niveles para poder escapar. Entre la secuela y la nueva versión. Exótico y salvajemente peligroso el juego continúa.

FICHA TÉCNICA
Jumanji: Bienvenidos a la jungla - Título original: Jumanji: Welcome to the Jungle - Dirección: Jake Kasdan - Año: 2017 - Duración: 119 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Dwayne "The Rock" Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart, Madison Iseman, Nick Jonas, Rhys Darby, Alex Wolff, Marc Evan Jackson, Morgan Turner, Ser'Darius William Blain, Bobby Cannavale, Missi Pyle, Maribeth Monroe, Tim Matheson - Produción: Matt Tolmach y William Teitler - Guion: Chris McKenna & Erik Sommers y Scott Rosenberg & Jeff Pinkner. Historia de Chris McKenna. Basada en la novela Jumanji de Chris Van Allsburg - Productores Ejecutivos: David Householter, Jake Kasdan, Dwayne Johnson, Dany García, Ted Field y Mike Weber - Director de Fotografía: Gyula Pados - Supervisión de Efectos Visuales: Jerome Chen - Diseño de Vestuario: Laura Jean Shannon -  Música: Henry Jackman - Estreno en España: 22 de diciembre 2017.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

La saga de STAR WARS continúa sus aventuras. Desde su prólogo "Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana..." hasta la octava entrega que llega a la gran pantalla en el año 2017 con el título de LOS ÚLTIMOS JEDI el universo creado originalmente por George Lucas en el año 1977 avanza en una nueva propuesta visual bajo la producción Disney y su deseo de mantener vivo el imperio.
LOS ÚLTIMOS JEDI dirigida por Rian Johnson, quien recuerda que "cuando era pequeño, Star Wars era mi mundo. Mi padre me llevó a ver la primera entrega cuando tenía cuatro años. Probablemente, a esa edad yo era demasiado joven. Pero, más tarde, tanto las películas como los juguetes fueron muy importantes para mí. En la entrega anterior se presentó a nuevos personajes que ahora vamos a poner a prueba para ver de qué están hechos. Y descubriremos qué pasa con Luke Skywalker". La galaxia sigue en peligro manteniendo la nostalgia del pasado recuperando al actor Mark Hamill en el papel de Luke Skywalker que vive en un remoto planeta hasta donde llega la joven Rey, interpretada por Daisy Ridley, con la esperanza de conocer el místico propósito de un jedi.  La cuestión es si Skywalker ayudará o, por el contrario, obstaculizará su camino. Como comenta Hamill "el momento final de los jedi ha llegado, lo cual es un 'shock' para los fans, tanto como lo fue para mí cuando leí el guión. Luke es el más optimista de todos los personajes, en mi opinión encarna la esperanza, pero no sabemos qué le ha pasado para convertirse en un amargado, un pesimista que se recluye en una isla. No sabemos dónde ha estado todo este tiempo ni lo que ha hecho. Ahora es un hombre torturado que carga con el peso de sus propios errores. Lo que quiero decir es que este Luke no es un saco de risas, nunca lo fue, pero al menos en la primera película se divertía".
La malvada Primera Orden se ha vuelto más poderosa tras EL DESPERTAR DE LA FUERZA y tiene contra las cuerdas a la Resistencia. El piloto Poe Dameron (Oscar Isaac) lidera una misión para destruir un acorazado de la Primera Orden. Mientras tanto, Rey tendrá que definir su futuro y su vocación, y Luke revaluar el significado de su vida.
Junto a Mark Hamill y Daisy Ridley en su particular duelo maestro - aprendiz encontramos una serie de historias en diferentes lugares de la galaxia todos ellos motivados por el ataque total que lanza el Imperio contra los rebeldes que ahora lidera la general Leia Organa protagonizada por Carrie Fisher quien regresa por última vez a la saga en ésta ocasión, tras su triste fallecimiento, haciéndolo a título póstumo para traernos de vuelta a la Princesa Leia, convertida en comandante de la Resistencia. Un personaje que tras perder a su marido a manos de su propio hijo tendrá que hacer frente no sólo al Imperio, sino también a la maldad de su primogénito.
Un episodio VIII donde destaca por su gran acabado visual en dos batallas al inicio y final del filme con grandes efectos especiales y constante acción. Sin olvidarnos de nuevos personajes que amplían el universo STAR WARS como Amilyn Holdo, interpretado por Laura Dern, vicealmirante de la Resistencia y amiga cercana de la general Leia Organa, un personaje con carisma, estilo, perspicaz y extravagante; DJ, interpretado por Benicio del Toro, el primer hacker intergaláctico de la franquicia, quien tiene un papel clave en la batalla entre la Primera Orden y la Resistencia; o los PORGS, las divertidas criaturas peludas que eran Aves nativas del planeta Ahch-To donde el Maestro Jedi Luke Skywalker hizo su exilio en los años posteriores a la Batalla de Endor.
STAR WARS: EPISODIO VIII – LOS ÚLTIMOS JEDI se mueve en la renovación de la saga aportando una regenerada mirada donde los personajes originales van desapareciendo para dar paso al nuevo universo propuesto por Disney. En esta octava entrega tenemos como sorpresa el reencuentro en la gran pantalla con Yoda en uno de los momentos más tensos narrativamente en un atardecer de dos soles como los de Tatooine donde Luke se encuentra sumido en un mar de dudas, cuando viejo y cansado no llega a forjar una relación maestro-alumno verdadera con Rey. Un universo repleto de acción y cameos entre los que podemos destacar al director Gareth Edwards de "Rogue One: Una historia de Star Wars" (2016) quien encontramos en una breve aparición en una trinchera durante la batalla en Crait, Justin Theroux (The Leftovers) quien interpreta al experto en códigos y Lily Cole, protagonista de "El imaginario del Doctor Parnassus", al que buscan Finn y Rose en el casino, sin olvidarnos de la aparición de Gary, el perro de Carrie Fisher o el director Edgar Wright de "Baby Driver" (2017) que aparece junto a su hermano dando vida a miembros de la Alianza rebelde.
Una búsqueda en el universo STAR WARS para dar salida a más aventuras. Como aclara Rian Johnson "no he aportado nada específico a la saga más allá de intentar hacer una gran película. Y como era el capítulo central de la tercera trilogía, yo tenía un trabajo muy concreto. Este es el capítulo en el que cogemos los personajes que conocimos en 'El despertar de la fuerza' concebidos por J. J. Abrams, y les retamos, les hacemos enfrentarse a la prueba más dura para cada uno". Así, en la pantalla volvemos a encontrarnos con la joven Rey aspirante a Jedi y Kylo Ren (Adam Driver) en un sucesor de Darth Vader en el lado oscuro de la fuerza. Como explica Rian Johnson, el también responsable de "Looper" (2012), "quería hacer algo que no desmereciese a Star Wars, pero igualmente quería hacer algo entretenido. ¿Qué sentido tiene estar todo el tiempo reciclando el pasado? Lo que a mí me gusta es hacer cosas que dejen a la gente sin aliento, pegada a la butaca. Pero había que mantener el balance entre eso... y que fuera una buena película de Star Wars. A fin de cuentas, hay que contar una historia, asegurarnos de que somos honestos con la trayectoria de los personajes. Que no parezca que solo intentamos sorprender al espectador. Que miremos al conjunto y digamos –aunque haya algunas sorpresas por el camino– que tiene sentido, que eso que vemos en pantalla es exactamente lo que harían los personajes en ese momento. Para los despistados, en la película anterior dejamos a Rey intentando convencer a Luke Skywalker de que saliese de su retiro espiritual en una isla... mientras la Primera Orden (el nuevo Imperio) campaba a sus anchas por la galaxia".
Aventura y acción acompañada de la banda sonora del compositor John Williams quien sigue aportando su música reconocible de la saga para crear ambiente y tensión creando nuevas melodías que amplían la nueva trilogía.
STAR WARS: EPISODIO VIII – LOS ÚLTIMOS JEDI nos sumerge en momentos memorables, secuencias entrañables y una alta dosis de emoción y aventura. Ingenio visual en un universo que por conocido no deja de sorprender. Rian Johnson aporta su sello personal a la saga sin olvidarse del original de George Lucas con algunos giros interesantes en la narración. Acción, gotas de humor y autohomenajes a la saga para sus fans.
STAR WARS: EPISODIO VIII – LOS ÚLTIMOS JEDI para plantar cara a un nuevo imperio y ayudar a un grupo de rebeldes encabezados por Leia. La Rebelión es más fuerte que nunca.

FICHA TÉCNICA
Star Wars: episodio VIII Los últimos jedi - Título original: Star Wars: The Last Jedi - Dirección: Rian Johnson - Año: 2017 - Duración:150 min. - País: Estados Unidos - Reparto: Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Óscar Isaac, Mark Hamill, Carrie Fisher, Domhnall Gleeson, Benicio del Toro, Laura Dern,  Gwendoline Christie, Kelly Marie Tran, Lupita Nyong'o, Anthony Daniels, Andy Serkis, Warwick Davis - Guion: Rian Johnson (Personajes: George Lucas) - Diseño de producción: Rick Heinrichs - Peluquería y maquillaje: Peter Swords King -  Supervisor creativo de efectos especiales de criaturas y Creature & Droid: Neal Scanlan - Vestuario: Michael Kaplan - Decorados: Jamie Wilkinson - Efectos especiales: Chris Corbould - Música: John Williams - Fotografía: Steve Yedlin - Estreno en España: 15 de diciembre 2017.


Escrito por: © Fernando F. Vegas
 Escrito por: © María José S. Bermejo

Los reconocidos cineastas Ethan y Joel Coen, responsables de  películas como 'A propósito de Llewyn Davis', 'Valor de ley', 'Un tipo serio' o la oscarizada 'No es país para viejos', firman el guion de SUBURBICON, drama noir ambientado en los años 50 que llega en 2017 a la gran pantalla contando con la acertada interpretación en el reparto de Matt Damon (El indomable Will Hunting), Julianne Moore (Siempre Alice), Karimah Westbrook, Leith M. Burke, Noah Jupe (El infiltrado), Oscar Isaac (Star Wars: El despertar de la Fuerza), Tony Espinosa, Glenn Fleshler (True Detective), Alex Hassell (Cold Mountain), Gary Basaraba, Jack Conley y Steve Monroe.
En el caluroso verano de 1959, la hasta entonces pacífica comunidad residencial de Suburbicon ve cómo se instalan los primeros vecinos afroamericanos, los Meyers, interpretados por Leith M. Burke y Karimah Westbrook, una familia en busca del sueño americano que se muda con su hijo pequeño Andy, interpretado por Tony Espinosa, a un barrio donde creen que serán bienvenidos y se sentirán seguros. Pero la mudanza coincide con unos extraños sucesos que amenazan a la familia de Gardner Lodge, encarnado por Matt Damon, para quien "es una película muy oscura, pero creo que también es muy divertida. 'Suburbicon' habla de lo que está ocurriendo en América hoy. Mi personaje, un padre de familia del barrio, intenta desesperadamente controlar todos los aspectos de su vida, pero jamás lo consigue. Ni siquiera es capaz de controlar a su hijo pequeño. Es un reflejo de la inquina de un tipo de hombre americano que quiere imponer su visión de las cosas, ejercer el poder, pero que, en realidad sabe que no pueden controlar al pueblo. Hay algo en la conciencia nacional de este país que nos hace pensar que durante aquella época todo era perfecto. Queremos pensar que entonces todo el mundo era más feliz. Pero el ser humano siempre ha sido igual, por mucha felicidad que se viera, también pasaban cosas muy turbias.
De puertas para fuera, Gardner Lodge parece un padre y esposo modélico, pero se mete en un lío con los delincuentes de Suburbicon y el asunto se le queda muy grande. Los espectadores empiezan la película con algunas ideas preconcebidas sobre mi personaje. Pero según va avanzando la trama, Gardner intenta coger el toro por los cuernos y encadena un fracaso tras otro. Me divierte interpretar a un pobre hombre como este.  Busqué fotos de la época para adaptar mi aspecto físico y engordé un par de kilos. En la década de 1950 los hombres no iban al gimnasio como ahora. Antes o eran unos tirillas o estaban un poco fofos. Mi abuelo era más bien fuertote y quería que mi personaje fuera como él, así que tuve que coger un poco de peso. Es un detalle mínimo, pero creo que le da más realismo al personaje y ambienta mejor la película".
La aparente vida idílica de Gardner en el pueblo de Suburbicon incluye a su esposa, Rose, a quien da vida Julianne Moore, y su hijo Nicky, interpretado por Noah Jupe, pero, como Moore, que hace también de Margaret, la hermana gemela de Rose, que echa una mano en casa y acaba viviendo con ellos de forma permanente, describe sobre sus registros "Rose no es feliz. Desde luego no está felizmente casada. Culpa a su marido del accidente de coche que la dejó en silla de ruedas. Al empezar el filme, Margaret parece más dulce y sencilla que su hermana, pero en realidad siente mucha envidia hacia ella. Esto crea bastante tensión entre ambas y a veces afecta las decisiones que toma. He procurado ser pragmática a la hora de interpretar a las dos hermanas. Me preparé como con cualquier otro personaje y busqué las características particulares de cada una de ellas. ¿Cómo utilizan el lenguaje? ¿Cómo hablan? Físicamente son idénticas, por lo que solo podía jugar con sus cualidades".
Los hermanos Coen, quienes  ofrecen un film fiel a su estilo con un cierto regusto a su debut en la dirección en 1984 con "Sangre fácil", aportan su característica y cruda ironía cargada de humor negro en un proyecto en el que, no siendo lo habitual, vuelven, como ya hiciesen en 'Invencible' con Angelina Jolie o 'El puente de los espías' con Steven Spielberg, a confiar el trabajo de realización en manos de otro director, en esta ocasión de George Clooney, quien ya  ha formado parte del elenco bajo la dirección de los Coen como en 'Oh Brother!' (2000) o '¡Ave, César!' (2016).
Clooney, que nos ha acostumbrado a su buen hacer tras las cámaras en 'Confesiones de una mente peligrosa' (2002), 'Buenas noches y buena suerte' (2005), 'Ella es el partido' (2008), 'Los idus de marzo' (2011) y 'Monuments Men' (2014), sigue su trayectoria en SUBURBICON, su sexto film, en el que además participa en el guion, junto a Grant Heslov, asiduo en las películas dirigidas por el también actor.
Clooney vuelve a colaborar con su equipo creativo, compuesto por el oscarizado director de fotografía Robert Elswit (Pozos de ambición), el diseñador de producción Jim Bissell (Buenas noches, y buena suerte), la diseñadora de vestuario Jenny Eagan (Expertos en crisis) y el oscarizado montador Stephen Mirrione (Traffic). Rodándose SUBURBICON en el sur de California en localizaciones del condado de Los Ángeles y de Orange County para recrear
una comedia negra sobre un misterio criminal ambientado en un tranquilo pueblo familiar norteamericano durante los años 50, donde lo mejor y lo peor de la humanidad se ve reflejado en las vidas de la gente corriente. Cuando un allanamiento de morada se vuelve mortal, una familia aparentemente perfecta empezará a hacer uso del chantaje, la venganza y la traición para imponer su abuso de poder y mantener su estatus de éxito.
En este simple y a la vez complejo contexto de identidades y sentimientos destaca el joven actor Noah Jupe, clave para dar esa credibilidad necesaria a la película. Como recuerda Clooney "nos costó muchísimo dar con un actor que interpretara a Nicky y trasladase toda esa carga emocional a la pantalla. Si los espectadores no conectan con el niño, la película está perdida. Después de ver a más de cien niños para el papel descubrimos a Jupe (de 11 años) en Inglaterra. Nunca he visto a nadie como Noah. No solo clava el acento estadounidense, sino que también clavaba las escenas en una o dos tomas".
SUBURBICON parte de un problema latente. En la década posterior a la Segunda Guerra Mundial, la emergente clase media estadounidense empezó a mudarse a las afueras, donde se construían viviendas unifamiliares con jardín a precios asequibles. Para muchos fue como un sueño hecho realidad: por fin podrían tener una vivienda en propiedad.
Como explica Clooney "Estados Unidos aprobó una ley llamada del GI Bill concebida para ayudar a los soldados que habían combatido en la Segunda Guerra Mundial a acceder a financiación para realizar estudios y conseguir préstamos para adquirir viviendas o montar empresas. Así, muchas parejas pudieron comprarse una casa con jardín. Podían acceder a un buen trabajo, vivir en un buen barrio y empezar una familia... siempre que fueran blancos. Lo interesante es mirar más allá del halo de perfección que suele asociarse a esa época para ver lo chungas que se ponían las cosas". De esta realidad nace un argumento hilarante y desgarrador sobre el que Heslov comenta "George y yo estábamos escribiendo un guion sobre lo que pasó en Levittown, Pennsylvania. Mientras nos documentábamos sobre el tema, George dio con un documental de 1957 titulado "Crisis in Levittown". Es una historia real sobre lo que pasó cuando William y Daisy Meyers fueron la primera familia afroamericana en mudarse a Levittown. El primer día que la Sra Meyers le abrió la puerta al cartero, él pensó que ella era la asistenta y preguntó si la Sra Meyers estaba en casa. Cuando le explicó que ella era la Sra Meyers, el cartero fue puerta por puerta preguntando a los vecinos si conocían a los recién llegados. Para cuando cayó la noche se habían congregado unas 500 personas en el jardín gritando consignas racistas, ondeando banderas confederadas y quemando una cruz en el césped de al lado. Mientras trasteábamos con la idea de Levittown, Clooney recordó que los hermanos Coen le habían mandado un guion allá por 1999 titulado Suburbicon. Era mitad comedia mitad thriller, del estilo de Fargo y Quemar después de leer: personajes amargados que toman decisiones nefastas. Queríamos que nuestra película fuera menos divertida y mucho más furiosa. El clima actual pide a gritos una película así. Entonces a George se le ocurrió coger el guion de Suburbicon y ambientarlo en Levittown durante esa semana en la que los Meyers llegaron al barrio".
Humor interiorizado y perverso en un neo noir de acciones criminales en que Clooney toma el pulso salvaje al viejo libreto de los Coen en una ironía que viene a renovarse en crítica social del sueño americano actual imbuido en los tortuosos y profundos deseos humanos de la maldad. Más que costumbrista grotesca y brutal lanza un abrasivo escupitajo al más pérfido espíritu yanqui continuista del fantasma de la esclavitud y aferrado a valores como el proteccionismo, el orgullo patriarcal y la avaricia.
No esperemos en este thriller el suspense del maestro Hitchcock, ni "Los odiosos ocho" de Tarantino con su gore, aunque tampoco falten a la
cita en SUBURBICON, cada uno tiene su forma de narrar las bajezas y miserias sociopolíticas.
Una descarnada historia sobre la que Clooney expone "al documentarnos sobre la época descubrimos que los vecinos construyeron un muro alrededor de la casa de los Meyers y firmaron una petición para obligar a la familia a marcharse del barrio. El texto que se lee en la película es el mismo que se incluyó en aquella petición. Las películas ambientadas en los años 1950 y 1960 que hablan del racismo suelen desarrollarse en el sur de Estados Unidos. Estamos acostumbrados a ver a personajes con acentos sureños que usan este tipo de lenguaje, pero estas actitudes también ocurrían en Pensilvania y Nueva York. Y si estas demostraciones de racismo se daban en el noreste del país, es de suponer que hechos así podían suceder en cualquier sitio. Hemos utilizado metraje original del documental en la película. A veces hasta que no ves imágenes reales no eres consciente de lo que pasó de verdad. Al público actual le choca mucho ver estas muestras tan abiertas de racismo, pero en realidad ocurrió hace muy poco. Suburbicon tiene una lectura muy actual. Todo el mundo mira hacia el otro lado. Quieren creer que antes de que llegaran las minorías no pasaba nada malo en el país. Pero al echar la vista atrás, a los años dorados de Estados Unidos, hay que recordar que mucha gente lo pasaba muy mal. El tema de la desigualdad siempre está de actualidad".
Nada complaciente. Un ejercicio circense sangriento que retrata sin concesiones la falsa moralidad de la supremacía blanca y la hipocresía progresista, dos aspectos permanentes en la sociedad yanqui. La brecha abierta entre las dos Américas sigue rezumando por una vieja herida difícil de cerrar.
Un llamamiento a la cordura y la esperanza se atisba en este ejercicio fílmico, que nace de la arcada del asco para vomitar por el celuloide un material inflexible de dolor y rabia, cuando dos niños, uno blanco y uno afroamericano, desde su inocencia, derriban las barreras del odio racial.
Nicky, el hijo de los Lodge, ha pasado por estados muy traumáticos en su familia, se siente solo y se acerca a Andy, el hijo de los Meyers, un chaval de su edad que acaba de mudarse al barrio. Aunque Nicky está encantado de tener un nuevo compañero de juegos, al resto de vecinos de Suburbicon no le hace ninguna gracia su amistad.
La zona común entre las casas de los Lodge y los Meyers sirve como vía de escape para Nicky y Andy, allí huyen de la intensidad que se respira en sus hogares.
SUBURBICON, el ácido sarcasmo de los hermanos Coen se torna sátira mordaz en manos de Clooney.

FICHA TÉCNICA
Suburbicon - Año: 2017- Duración: 105 min. - País: Estados Unidos - Dirección: George Clooney - Guion: Ethan Coen, Joel Coen, George Clooney, Grant Heslov - Música: Alexandre Desplat - Fotografía: Robert Elswit - Reparto: Matt Damon, Julianne Moore, Óscar Isaac, Glenn Fleshler, Noah Jupe, Michael D. Cohen, Steve Monroe, Gary Basaraba, George Todd McLachlan, Carter Hastings, Dash Williams, Alex Hassell, Lauren Burns, Tony Espinosa - Género: Cine negro - Productor: George Clooney, Grant Heslov, Jim Bissell - Montaje: Stephen Mirrione - Estreno en España: 8 de diciembre de 2017.


Escrito por: © María José S. Bermejo
Escrito por: © Fernando F. Vegas

La animación explora una amplia gama de mundos en sus películas. Las narraciones desde el más allá, con una visión gótica y oscura repleta de amor y humor negro han conformado una de las miradas creativas más fructíferas e imaginativas. En el recuerdo se encuentran las tres producciones realizadas en stop motion por Tim Burton comenzando por PESADILLA ANTES DE NAVIDAD (1993), un musical navideño deliciosamente macabro donde nos topamos con Jack Skellington, el Señor de Halloween, quien, al descubrir la Navidad, se queda fascinado y decide mejorarla con su particular visión totalmente contraria al espíritu navideño. Sus planes incluyen el secuestro de Santa Claus y la introducción de cambios bastante siniestros. Sólo su novia Sally es consciente del error que está cometiendo. Una atractiva historia con una bella combinación de stop-motion, escenarios tridimensionales y gráficos imaginativos que llevaba la animación a nuevas alturas, cuya iconografía daba paso en el año 2005 a la excelente LA NOVIA CADAVER. Castillos, gusanos, huesos, ... Una historia lúgubre, romántica y optimista para vivos muy vivos seguidores de las películas de Tim Burton y del buen cine de animación. Basado en un cuento de amor perdido del siglo XIX y ambientada en un pueblecito europeo ficticio de la época victoriana nos narra las aventuras de Víctor un joven tímido y soñador cuyos padres, que desean ascender en la escala social, han arreglado su matrimonio con una total desconocida, la encantadora señorita Victoria Everglot. Las familias de ambos se reúnen para presentar a los próximos recién casados siguiendo inmediatamente el ensayo de la boda donde Víctor mete tanto la pata que el pastor Galswells le recomienda que se marche y que no vuelva hasta que aprenda correctamente sus frases.
Víctor decide irse al bosque que rodea el pueblo donde comienza a recitar perfectamente sus palabras de matrimonio poniendo suavemente el anillo de boda sobre la raíz de un árbol, pero, ... en ese mágico momento de la tierra surge un cuerpo en descomposición de una mujer que lleva los restos destrozados de un traje de novia, con el anillo de Victoria en su huesudo dedo. Parece que Víctor se ha prometido sin darse cuenta a la Novia Cadáver misteriosamente asesinada en su noche de bodas. La Novia Cadáver ha esperado, desconsolada, a que regresase su novio y la reclamase. Víctor se convierte de esta forma y por error en ese novio, y es arrastrado bajo tierra al País de los Muertos donde la no existencia es muy divertida...
Sin olvidarnos de FRANKENWEENIE (2012) un homenaje al actor Vincent Price y los relatos de Edgar Allan Poe cuyo origen es el corto del mismo nombre realizado en el año 1984 filmado en blanco y negro, con una duración de 25 minutos, una parodia de la novela FRANKENSTEIN de Mary Shelley. Una película que inicialmente fue imaginada por Tim Burton como un largometraje animado de stop-motion, pero debido a restricciones presupuestarias, en lugar de ello dirigió un cortometraje animado de acción real para Disney.  A pesar de que obtuvo una nominación en los Premios Saturn, el contenido del corto hizo que Disney despidiera a Burton justo después de haber culminado su producción, al considerar que FRANKENWEENIE "era demasiado terrorífica para sus audiencias más jóvenes". Tuvo que esperar hasta el año 1994 y tras el éxito de películas como Beetlejuice y Batman, para que fuera comercializado en video siendo material adicional para formatos DVD, Blu-ray o disco UMD para la PlayStation de The Nightmare Before Christmas. Con el paso del tiempo el corto se convirtió en largometraje con guion de John August, basado en un guion anterior de Lenny Ripps y en una idea original de Tim Burton. Tras la inesperada muerte de su adorado perro Sparky, el pequeño Víctor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida… con algunos ajustes menores. Víctor intenta ocultar su creación, pero cuando Sparky logra salir, sus compañeros de escuela, sus maestros y el pueblo entero aprenderán que devolver vidas puede tornarse algo monstruoso.
FRANKENWEENIE resultaba un buen filme reciclado del universo de Tim Burton. En un Stop-motion conmovedor en 3D. Una narración sencilla, tierna y luminosamente siniestra. Una comedia fantástica de animación en un emotivo homenaje al género de terror clásico.
En el año 2017 se estrena COCO filme dirigido por Lee Unkrich y Adrián Molina que se une al selecto grupo de películas animadas navegando por el más allá. La historia de un niño de 12 años con grandes sueños, que como explica Unkrich "se trata de una familia trabajadora con grandes tradiciones y mucho amor. Pero lo mejor de 'Coco' es que el chico podría ser mi hijo. Esa familia podría vivir al lado de mi casa. La encantadora y mandona abuela que insiste en llenarle otra vez el plato podría ser tu abuela. A todos nos resulta familiar esta historia. Por eso es tan buena. Reconocimos la necesidad común de ser recordados, de sentir que le importaremos a alguien mucho después de dejar el mundo. Del mismo modo, hay un deseo muy fuerte de mantener vivos los recuerdos de nuestros seres queridos. Al compartir sus historias y crear las nuestras, construimos una conexión entre generaciones que supera los límites de nuestra vida cotidiana".
En COCO conocemos a Miguel, un aspirante a cantante y guitarrista autodidacta que sueña con seguir los pasos de su ídolo, Ernesto de la Cruz, el músico más famoso de la historia de México. Pero la familia de Miguel ha prohibido la música. Hace muchos años, su tatarabuela y su tatarabuelo llegaron a un callejón sin salida: Ella quería criar a su familia en Santa Cecilia, pero él no pudo dejar atrás su sueño y abandonó a su familia para ser músico. La consiguiente prohibición de la música de la bisabuela Mamá Imelda pasó de generación en generación y se sigue aplicando estrictamente, para consternación de Miguel. Por eso, comenta el guionista Matthew Aldrich, "cuando Miguel descubre un secreto del pasado de su familia, una conexión con Ernesto de la Cruz, se apresura a compartir la noticia con su familia, pensando que le allanará el camino para ser músico. Para su sorpresa, solo empeora las cosas".
Ambientada en México, COCO presenta dos mundos distintos: la Tierra de los Vivos y la Tierra de los Muertos. Dos lugares contrapuestos y repleto de personajes pintorescos. Durante casi todo el año, esos dos mundos existen por separado, pero armoniosamente uno al lado del otro. Y cada año, por un día, se unen de manera mágica. Como explica Unkrich "el Día de Muertos es como una gran reunión familiar que borra la división entre los vivos y los muertos, pero no se trata de lamentarse, es una celebración. Se trata de recordar a los familiares y seres queridos que han fallecido y tenerlos cerca". Aunque esos mundos se diseñaron como opuestos, para el también coguionista Adrián Molina, "en realidad comparten características clave. Los dos rebosan color, música y alegría. Los personajes, ya estén vivos o muertos, son optimistas y están totalmente dedicados a sus familias".
COCO destaca por los tonos de su paleta. Una mirada llena de contraste entre las dos Tierras, como explica Unkrich, "teniendo en cuenta la fiesta y la iconografía, sabíamos que la Tierra de los Muertos tenía que ser un lugar visualmente vibrante y colorida, por lo que diseñamos Santa Cecilia para que fuera más discreta. Está claro que no es deprimente ni desprovisto de color, sobre todo desde el día de fiesta, y supimos desde el principio que asumiríamos el Día de Muertos con todo lo que conlleva".
Los personajes que viven en los mundos de COCO comparten un objetivo: ser recordados. Conectar los dos mundos. Un espectáculo visual resuelto con el puente de las Caléndulas. Un viaje al más allá donde la factoría Disney Pixar nos ofrece una trama que sin llegar a sorprender es elaborada de forma preciosista en una paleta visual deslumbrante. Con un logrado tapiz de personajes tiernos y amenos en un universo macabro repleto de luz y texturas.
Un bello homenaje a los mayores que comienza desde su título de COCO que hace referencia a la bisabuela del protagonista, una entrañable viejecita que a pesar de sus lagunas de memoria tiene presente la imagen de un padre al que adoraba y que desapareció inexplicablemente de un día para otro. Una propuesta narrativa que promueve los valores familiares y de apostar por nuestros sueños, por muy inalcanzables que estos parezcan. Acompañado de la banda sonora compuesta por Michael Giacchino, quien, combinando distintos estilos de la música mexicana, desde la cumbia a los mariachis, pasando por la marimba o el son jarocho, ilustra acertadamente un filme donde suena con fuerza propia la inolvidable canción de LA LLORONA que inmortalizó Chavela Vargas y que es interpretada en boca de la tatarabuela de Miguel.
Construida a fuego lento, el equipo de la película estuvo visitando durante tres años diferentes museos, mercados, plazas, talleres, iglesias y cementerios de Ciudad de México, Oaxaca y Guanajuato para trasladar al cine un proyecto que cautiva desde sus primeras imágenes a través de dos universos diferentes que están muy conectados entre sí.
COCO amor al folclore y la cultura popular mexicanos.

FICHA TÉCNICA
Coco - Dirección: Lee Unkrich,  Adrián Molina - Año: 2017 - Duración: 109 min. - País: Estados Unidos - Guion: Adrián Molina, Matthew Aldrich (Historia original: Lee Unkrich, Jason Katz, Matthew Aldrich, Adrián Molina) - Música: Michael Giacchino - Fotografía: Animation, Matt Aspbury, Danielle Feinberg - Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures - Estreno en España: 1 de diciembre 2017.


Escrito por: © Fernando F. Vegas

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